Nyx Box

Cronenberg en 3D

2012-02-12T20:25:00.000-08:00

David Cronenberg siempre ha tenido un interés por explorar y/o cuestionar a partir de la psicología, su último trabajo cinematográfico no es la excepción. ‘A Dangerous Method’ basado en ‘The Talking Cure’ de Christopher Hampton, hace una revisión de los orígenes del psicoanálisis, partiendo del punto de vista de Jung (Michael Fassbender)y derivando irremediablemente en Freud (Viggo Mortensen).

Para completar el calibre de actuación, Keira Knightley nos regala la mejor interpretación que ha tenido hasta la fecha, encarnando a Sabina Spielrein, una paciente, una histérica, una victima, una amante, una aprendiz, un reto, una discordia, un amor intempestivo, una mujer inteligente, una mujer adelantada a su época…y Vincent Cassel como Otto Gross, pone en aprietos a Jung pues lo cuestiona, lo libera y lo esclaviza a la batalla entre sus pasiones y la represión.

Aunado a todo esto, Cronenberg y Hampton entrelazan la relación Freud-Jung sutilmente construyendo la amistad solo para terminar separándolos visual y narrativamente de la manera más orgánica.

Es muy interesante la complejidad de la relación, sus matices y sus discrepancias, pues a pesar de admirarse enormemente el uno al otro, se dan cuenta de que sus posturas comienzan a ser diametralmente opuestas. Por un lado Freud se finca en el racionalismo positivo en pos de fundamentar el arte de la interpretación en lo limitante de la ciencia, mientras que Jung, embriagado por la transferencia decide creer más allá de lo aparente a costa de ser tachado como supersticioso en un mundo de ciencia.

Mientras que el personaje de Cassel funciona meramente como catalizador, el personaje de Knightley resulta fascinante pues la evolución que va teniendo a lo largo de la historia y el cómo se entromete entre Jung y Freud, hace que se dimensione la historia…ahora si que la hace tridimensional.

A pesar de que Viggo es el favorito del director, Fassbender lleva la batuta de la película y no hay mirada más sensible (en todo el sentido de la palabra) que la del actor alemán.

En lo personal me parece una película impresionante. Ya por el tema, los actores, y el director…intelectualmente estimulante.

Al borde de...

2012-02-05T18:27:00.000-08:00

Sam Worthington se pone y nos pone al borde en su thriller policíaco ‘Man on a ledge’ en el que interpreta a Nick, un policía que se ve envuelto entre el escándalo y la corrupción, y obligado a desafiar todo por su libertad.

La premisa es interesante así como la dirección de Asger Leth,quién pone el lente sobre el comportamiento de masas, la manipulación, la corrupción en varios niveles de la justicia, y la verdad. Leth lo hace entretenido al estilo persecutorio de policías y ladrones, todo a tope de adrenalina. La película nos tiene atentos de inicio a fin.

A pesar de sus diálogos y personajes caricaturescos, esto no deja de ser todo una aventura, dentro de la cual también se encuentra una mujer detective (Elizabeth Banks) encargada de la negociación de un posible suicida. Una pareja de ladrones inexpertos (Jamie Bell y Genesis Rodriguez) que a modo de misión imposible se intercalan entre pasiones y explosivos. Ed Harris la hace de malo maldito que raya en la villanía Televisa. En realidad todo funciona según la receta, sin embargo, les quedó bien horneada, con todo y betún fosforescente.

La reflexión que me quedó, además de un grato entretenimiento, es la impotencia que existe cuando nos enfrentamos al mundo de la corrupción, pues se permean en todas las esferas de la sociedad siendo muchas veces imparable. ¿En dónde cabe la justicia en un sistema podrido? ¿En dónde cabe la verdad en una sociedad intrínsicamente ilusoria? En la cultura del entretenimiento masivo no hay lugar para la razón, para el sentido común, para la compasión o la empatía…al pueblo pan y circo.

50%

2012-01-31T17:57:00.000-08:00

Acabar el mes con el 50% de probabilidades ya es ganancia. Los números, las estadísticas, y los porcentajes forman parte constitutiva de nuestra sociedad el día de hoy. Vamos al banco y tecleamos el NIP para retirar cantidades de dinero, el valor está fincado en las cifras. El INEGI pretende arrojar resultados que nos digan algo sobre nuestra población mientras que los políticos rezan por mantener sus números altos, ya sea en popularidad, votantes, o ceros al final de su cheque cada mes.

'50/50' indaga sobre la fragilidad de la vida, cuando Adam (Joseph Gordon-Levitt), de 27 años, es diagnosticado con un cáncer muy raro y muy peligroso, reduciendo su expectativa de vida a la probabilidad de un “volado”, en México diríamos: “¿Águila o Sol?” ¿Se imaginan…su vida concentrada en una moneda?

La película de tono independiente se intenta escapar de su premisa cliché alternando el drama con el comic relief, encarnado, exasperado y desgastado al máximo por el insufrible Seth Rogen. En realidad los mejores momentos, los más auténticos y valiosos, se inmortalizan en pantalla gracias al talento femenino que interactúa con Gordon-Levitt, ya sea la extraordinaria química incomoda con su inexperta terapeuta (Anna Kendrick), la muy humana novia (Bryce Dallas Howard) o con su entrometida madre (Anjelica Huston).

Tanto el personaje como la actuación de Kendrick son muy similares a su anterior ‘Up in the Air’ sin embargo no deja de ser fresca y nos hace disfrutar la película mucho más…

‘50/50’ es una buena película de cáncer, con un toque de ‘500 Days of Summer’…sería mejor con más Dallas Howard, menos Rogen y un poco de pimienta para el protagonista pues el personaje termina insípido, un tanto plano. Al final el mensaje, como suele serlo en este tipo de pelís, es…disfruta cada momento de la vida, pues por mera probabilidad, puedes dejar de existir mañana.

P.D. No podía faltar la típica escena de la rasuradora frente al espejo

Hugo

2012-01-29T16:14:00.000-08:00

Hugo Cabret es un curioso niño de grandes ojos con una mirada que se maravilla con el mínimo detalle cotidiano dentro de su universo que funciona con engranes, relojes, y una estación de trenes a principios del siglo XX.

‘Hugo’ resulta un oda al arte cinematográfico del director Martin Scorsese quién sorprende con el género familiar y fantástico que contrasta con su oscura ‘Shutter Island’(2010). Haciendo una revisión por la historia del cine, rindiendo tributo al imaginario de Georges Méliès, interpretado magistralmente por Ben Kingsley.

Hugo vive prácticamente tras bambalinas observando la vida al exterior de los relojes: el amor en la estación de trenes, gente que pasa, llega y se va. Mira por las ventanas la ciudad de la luz con ansía de salir al mundo y conocerlo, de imaginar esas historias que se cuentan todos los días como las que se ven el cine, mismas que van formando parte de su imaginario.

‘Hugo’ cae en el lugar común Disney, niño sin padres busca la forma de encontrar lo perdido, de reparar lo roto y termina llevando luz a todos aquellos que viven sin vivir hundidos en sus traumas del pasado y en sus tristezas del presente. Premisa que podrá ser atractiva para las nuevas generaciones pero que a mi en lo personal me resulta trillada y predecible.

Al ver el trailer de la película me esperaba que fuera más fantástica y pensé que la cosa sería: “Niños descubren un mundo de magia y viven una aventura” pero ‘Hugo’ a pesar de sus clichés melodramáticos carece de momentos sobrenaturales, pues se inserta en su época (1930’s) en el marco de la posguerra y la magia en su momento resultaba el cinematógrafo que para nosotros ya poco tiene de mágico…a menos que sea en 3D, digital, IMAX…etc.

En conclusión ‘Hugo’ no está mala, pero es muy para niños. Yo si prefiero quedarme con el Scorsese oscuro y siniestro del año pasado.

2x1: George Clooney

2012-01-28T11:20:00.000-08:00

Ides of March se centra en la campaña política del demócrata Mike Morris (George Clooney) quién al parecer su carisma y su pretendida honestidad le son suficientes para convencer al pueblo norteamericano de que voten por él.

La película dirigida por el mismo Clooney, aborda temas como la incongruencia humana, el precio de la lealtad, la doble moral, el maniqueo político, la estrategia, pero sobre todo la ambición a costa de todo. El arribista que está dispuesto a lo que sea necesario por llegar a su meta es encarnado por Stephen (Ryan Gosling con cara de perro triste), quien a su vez hace de segundo al mando en el equipo de campaña, después de Paul Zara (Philip Seymour Hoffman).

En la historia también se atraviesa el encargado de campaña del partido contrario (Paul Giamatti), una instigadora periodista (Marisa Tomei) y una adolescente haciendo sus prácticas políticas a punta de almohada y sentón. (bien posicionada y cada vez mejorando más, la guapísima Evan Rachel Wood), interponiéndose en el camino a la victoria de Stephen.

En Ides of March van todos contra todos, poniéndose el pie en pos de llegar a su objetivo, viendo por el interés propio y dejando a un lado los ideales preciosos de un candidato o la moral de una sociedad. A la mejor la película tiene un tono poco emocionante pero si muy emotivo, y termina siendo un lugar común. Una película política gringa que tiene lo suficiente para mantenernos interesados. A mi muy particular punto de vista tiene aspectos que la hacen atractiva, tal vez mucho más que…

The Descendants, en la que Clooney hace de padre de familia ausente que se ve forzado a convertirse en papá de sus caprichosas y enojadas hijas en duelo, después de que su infiel esposa cae en coma por un accidente de lancha, mientras intenta encontrar al recién descubierto amante.

La atención que se le ha dado a está película se me hace absurda, pues no solamente hemos visto cien veces está historia si no que además nos la envuelven para regalo con folletitos y publicidad que grita durante los 115 minutos de duración: “Visita Hawaii, te va a encantar…aloha…ha…ha”

Lo único que vale la pena de está bazofia es la joven y desconocida actriz: Shailene Woodley, que está guaperrima.

Lo peor del caso es que The Descendants, está nominada a mejor película del año. De verdad que los comerciales de nuestro país VIVE MÉXICO son mucho más entretenidos y de mejor calidad que el comercial del señor Alexander Payne, que a diferencia de sus pasadas Sideways(2004) y About Schmidt (2002), está vez la frescura en la cotidianeidad de los personajes no es orgánica, a mi gusto hay varios distractores que nos sacan del tono y la trama, haciéndola un poquito más película y menos realidad.

El drama de lo cotidiano

2012-01-16T17:32:00.000-08:00

A veces cuando vamos al cine queremos ver los súper efectos especiales, vidas dramáticas, comedia maniquea, monstruos, magia y situaciones extraordinarias en las que nos gustaría estar pero que finalmente no existen o difícilmente podríamos experimentarlas. Dejamos de lado la cotidianeidad y muchas veces es justo ahí dónde encontramos el verdadero drama, la verdadera acción, en el día a día de la vida común, en situaciones normales, con gente normal que se enfrenta a vivir.

El director/escritor Tom McCarthy rescata la esencia y el color de lo cotidiano en su tercer largometraje “Win Win” protagonizada por el siempre desafortunado Paul Giamatti, quién parece hecho para los eternamente perdedores mejor interpretados en el cine independiente gringo, y en Win Win, no es la excepción.

La película cuenta la historia de Mike Flaherty, un abogado de New Jersey de la suburbia clasemediera que se enfrenta a la crisis económica y que ve en Leo, un viejito millonario la oportunidad de salir adelante, sin embargo una decisión equivocada lo lleva a tomar y asumir decisiones y consecuencias que terminan revelando su buen corazón.

McCarthy oscila entre lo dramático y el humor negro, apartándonos de la acción para darse el tiempo de presentar a sus personajes, dejándonos conocerlos. Win Win está extraordinariamente bien escrita y termina siendo conmovedora sin caer en lo cursi…me parece un trabajo cinematográfico digno de conocerse.

La actuación de Amy Ryan es increíble, se consagra como una actriz del cine independiente a la que no hay que quitarle el ojo de encima pues resulta bastante prometedora.

Podría contar más de la trama de está película pero preferiría que se dieran la oportunidad de verla y pasar un rato agradable pero sobretodo de calidad.

J.Edgar: la vida detrás del (h/n)ombre

2012-01-08T20:52:00.000-08:00

Johnny- El inicio del la agencia de investigación a los 24 años, un niño con un sueño.

J. Edgar- El héroe que siempre quiso ser, el defensor de una nación, el ideal inalcanzable.

Edgar “Mama’s Boy”- el chico que no sabía bailar vs. el closet detrás del espejo.

Mr. Hoover- El director del FBI, cegado por sus ideales, paranoide, obsesivo, perfeccionista, celebridad y villano. El lado público de la historia.

____________

El claroscuro de Eastwood: La verdad entre las sombras

y la humanización del mito.

'J.Edgar' salta en el tiempo durante los años en que Hoover estuvo al mando del F.B.I, contando por encimita los abusos de poder y concentrándose más en su vida privada y en el caso del secuestro del bebé Lindbergh.

El guión de Dustin Lance Black (Ganador de un Oscar por Milk,2008) regresa una vez más con una biopic que se enmarca entre la política y el closet.

Leonardo DiCaprio en uno de los papeles que marcarán su carrera probablemente con un Oscar. A pesar de los rumores que rondaban sobre el travestismo de J.Edgar, me parece que la escena en donde aparece DiCaprio con el vestido de su madre tiene que ver más con el vínculo que tenía con ella y la necesidad de conservarla (el duelo).

Armie Hammer se arriesga con este papel muy temprano en su carrera, sin embargo a pesar de la controversia que podría causar, el personaje se queda corto, pues en la mayoría de las escenas cae en el estereotipo fashion gay, por suerte hay una escena de confrontación que saca a flote tanto su interpretación como su personaje.

El personaje de Naomi Watts queda muy reducido y se vuelve ornamental, mientras Judi Dench le da vida a una madre castrante que fomenta el Edipo día tras día, manteniendo a un Edgar niño para ella sola, que sin darse cuenta reafirma su homosexualidad tanto como la castiga.

El maquillaje es un desastre y lo peor del caso es que distrae y nos saca muchas veces de la interpretación y de la trama.

No se trata de sacar del closet a Hoover a la fuerza por el mero hecho de crear controversia, si no que es en la relación con Tolson y su madre donde se expone su lado más humano, aquel con el que nos conectamos como espectadores.

La historia oficial, la que todos conocen y por la que algunos congresistas quieren quitar su nombre del edificio del FBI actualmente es la del abuso de poder que J. Edgar Hoover fomentó durante su “dictadura” a cargo del buró de investigación que dirigió por 48 años. Y si bien la película que intenta ahondar en el lado de la historia más intima del personaje, si a partir de especulaciones y rumores, más que de hechos y fundamentos, no deja de ser un punto de vista válido, una aproximación distinta y sobretodo humana, pues a pesar de todo el mal uso de la información, la prepotencia, y todos sus defectos la vida de una persona no puede reducirse a eso. Nombres como Hitler o Porfirio Díaz saltan como villanos en la historia y a veces se nos olvida que solo fueron hombres.

Definitivamente la película no justifica y no debe justificar las injusticias y el quiebre de la ley en pos de un ideal, la ambición de un hombre o la supuesta “seguridad nacional” de un país por más “loable” que pretendan ser sus propósitos.

‘J.Edgar’ es un punto de vista más, otra parte de una historia de vida que vale la pena re-conocer.

About Kevin...

2012-01-07T18:45:00.000-08:00

We need to talk about Kevin(2011) cuenta anacrónicamente la historia de Eva (Tilda Swinton) una madre que por un lado la vemos sola y deprimida como consecuencia de algo y por otro la vemos en familia con sus dos hijos y su esposo, el problema es que su hijo Kevin le resulta desde los primeros meses ajeno a sí misma. Kevin la rechaza de manera casi instintiva y conforme va creciendo la confrontación se hace evidente.

---SPOILER ALERT---

Y ese hecho que separa a la Eva madre de la Eva solitaria es la masacre que su hijo protagoniza en el clímax de su adolescencia. Ya antes se ha abordado está problemática en la pantalla: Elephant(2003) de Gus Van Sant o más recientemente en Beautiful Boy(2010) de Shawn Ku. Sin embargo la narrativa cinematográfica de We need to talk about Kevin a cargo de Lynne Ramsay, coloca al espectador en un estado de suspensión en el tiempo-espacio pero sobre todo en la emotividad, en el duelo y la incertidumbre de una madre que no sabe en que momento engendró a ese hijo.

Ramsay recurre a una narrativa contemplativa en la que las acciones y las emociones transitan por la pantalla a través de un lente fijo, estoico, minimalista. El espectador se convierte en testigo de la tragedia de Eva y al igual que ella nos volvemos incompetentes ante lo inexplicable. ¿Qué pasó? ¿Por qué pasó?

Me parece que el título de la película responde a lo que siempre quiso hacer el personaje pero nunca sucedió. Eva siempre supo que algo había en su hijo que no estaba bien…y que tenía que decírselo a alguien. Sin embargo abandonó todo intento por inferir en ello en pos de mantener el estatus quo de su modelo perfecto de familia y por supuesto de su estándar de madre.

A lo largo de la vida siempre encontraremos preguntas a las que no podremos dar una respuesta precisa y es esa incertidumbre, esa imposibilidad de explicarlo, dónde se revela nuestro lado demasiado humano, pues la situación, el contexto…nos rebasa. La condición humana tiene un margen de error al que no siempre tendremos acceso para entender o resolver y hay que aceptarlo.

'Tenemos que hablar de Kevin' es un relato que indaga profundamente en los temores de la maternidad y en la pregunta filosófica sobre la posibilidad de una maldad innata. Lynne Ramsay a partir de planos largos y silencios logra transmitir esa atmósfera de incertidumbre siniestra.

Corazón de pollo

2012-01-06T11:28:00.000-08:00

ONE DAY o ‘Siempre el mismo día’ es una rom-com británica basada en el libro homónimo del escritor David Nicholls, quién también adaptó a la pantalla. La pelí está protagonizada por Anne Hathaway como Emma y Jim Sturgges como Dex.

La historia transcurre de 1988 a 2008, siempre el mismo día: Julio 15. Em y Dex van y vienen a lo largo de los años, siempre queriendo estar juntos sin poder estarlo por X o Y. Van y vienen, viven y se reencuentran una y otra u otra vez.

El guión es un tanto predecible, pero en general es entretenida. Hay puntos en que la historia se cae, se hace un tanto reiterativa, cansada y sobre todo larga. Los obstáculos que los separan, pasan de estupidos a rebuscados, y llega un punto en que francamente ya no hay más formas de alejarlos y separarlos.

Los personajes caen en el cliché del género, sin embargo y extrañamente debo admitir que si disfrute está película…pues cuando uno necesita una comedia romántica no importa que tan buena o mal esté…hay veces que son necesarias y justo lo que se quiere ver, y para eso, ONE DAY funciona muy bien.

ADVERTENCIA: Cuando creas que ya haya terminado, piénsalo dos veces...o tres...o cuatro...

Less is more

2012-01-01T06:00:00.000-08:00

Sherlock Holmes: A Game of Shadows o lo que viene siendo la secuela de la primera, ambas del director Guy Ritchie, se mantiene en el mismo tono pero está vez con más acción, más explosiones, pero menos calidad en la historia.

Decidí empezar el año con Sherlock Holmes por el mero hecho de que así lo hice hace veinticuatro meses, y es que muchas cosas han pasado a lo largo del año y muchas más se avecinan para este. Comenzar el 2012 con entusiasmo y acción, con misterios y encrucijadas, con compañerismo y deducción…con un juego de sombras muy al estilo Guy Ritchie.

Está segunda parte no dista mucha de la primera, el tono es el mismo, el guiño homosexual entre Holmes y Watson se repite, la participación de Rachel McAdams es ornamental, el personaje de Noomi Rapace se diluye en una historia sin mucho chiste, y la tendencia de llevar la historia de un lado a otro se hace presente, sin embargo el antagonismo con Moriarty (Jared Harris) es extraordinario, culminando con una partida de ajedrez digna de grandes estrategas.

El acento gitano que se incluye en la historia es mucho más interesante que el derroche armamentista del contexto de la historia que se pretende poner en juego…de alguna manera alguien involucrado en la toma de decisiones siempre sale con el típico de “hay que subir las apuestas” argumento de cajón cuando se trata de una secuela palomera…pero desafortunadamente en pos de hacer esto se les sale de las manos. Less is more. Es cosa de rescatar los elementos de la primera y contar otra aventura más. ¿Porqué el afán de exacerbar algo que ya funciona?

Robert Downey Jr. se nota poco comprometido, ausente…desgastado.

Sherlock Holmes: A Game of Shadows es entretenida, grandes efectos, excelente fotografía…pero se siente de alguna manera diluida y plana.

Hay que empezar el año con PUNCH! pero sin descuidar el fondo, el contenido, la carnita es lo más importante.

Fin

2011-12-31T11:59:00.000-08:00

Agresividad, violencia, y erotismo desenfrenado

2011-12-30T17:12:00.000-08:00

Straw Dogs (2011) dirigida por Rod Lurie y protagonizada por James Marsden y Kate Bosworth es el remake del mismo nombre del año 1971 que en aquella ocasión estuvo a cargo de Dustin Hoffman.

No tuve que ver la versión original completa para darme cuenta de los cambios importantes que había de una a otra: la sexualidad. Si, claro que en los 70’s la escena de la violación fue muy controversial pero más allá del guión, el papel de la sexualidad, el cuerpo, y la imagen se han transformado, priorizado y explotado de una manera depredadora y sumamente marcada en el cine y en general en la industria del entretenimiento actual.

La historia va de una pareja citadina que se refugia en el pueblo natal de ella en pos del trabajo de él. Él es escritor, ella no hace nada. El conflicto comienza cuando los lugareños (rednecks, campesinos, en general gente limitada y resentida social) se sienten invadidos, replegados, y hasta discriminados por el estilo de vida del esposo citadino. Específicamente esto se refleja en el semi-desnudo, pasional y celoso antagonista: Charlie (Alexander Skarsgård) y en el alcohólico entrenador Tom (James Woods), quienes se alternan para mantener la tensión bastante alta a lo largo de la trama.

La dirección de Lurie mantiene a Skarsgård en contrapicada, colocándolo en una posición de poder, amenazante frente a los demás personajes. Resulta imponente la mayor parte del tiempo en pantalla. La edición en general es muy buena pero especialmente en la escena de la violación, como se contrapone el venado vs. la mujer à la vida vs. la muerte à lo masculino vs. lo femenino, etc. La irrupción de la ley.

Straw Dogs es el despliegue de agresividad, violencia, y erotismo desenfrenado que caracteriza a nuestra sociedad actual, termina siendo un reflejo aterrorizante que se cuela en el universo cinematográfico pasando desapercibido. Pero claro y obvio que no es el único ejemplo, basta con ver la portada de una revista, prender el televisor, estamparse con un espectacular, un comercial, una película, una marca, un producto, un servicio….todo absolutamente todo continuamente nos está recordando y bombardeando que el cuerpo y la belleza y la violencia es y tiene que ser el pan de cada día.

¿Después de este largo periodo de sobreexposición que podemos esperar de nuestra sociedad en los años venideros? La posmodernidad, tan líquida como lo es, tarde o temprano terminará escurriéndose entre los dedos…pues en un mundo desechable, todo tiene fecha de caducidad.

P.D. James Marsden poco a poco ha sabido elegir papeles que lo colocan en buen lugar, que lo retan como actor, y que lo sacan al mismo tiempo de el mainstream hollywoodense, claro que entre una y otra, aparece en algo ligero, que él admite necesario para compensar su trabajo.

Cruise Crisis

2011-12-26T07:27:00.000-08:00

Originalmente se había dicho que Cruise ya no participaría en está entrega, después se dijo que sí pero que Jeremy Renner entraría para continuar a cargo de la misma, y que M:I:4 era una película de transición entre Cruise y Renner. Sin embargo al ver el resultado final nos damos cuenta que Cruise no deja ir tan fácil y no sólo anula la transición si no que no cede el papel protagonista.

Brad Bird, director de Los Increíbles(2004) de Pixar, se hace cargo de esta secuela y le es inevitable convertirá en un producto cuasi-familiar, clasificación doble AA. Pues en notable la incorporación de gags cómicos y el tono más relajado que se maneja. El personaje de Benji (Simon Pegg) resulta caricaturesco junto con los problemas técnicos que lo acompañan. A mi en lo personal esto me sacó de la historia y si de por si las secuencias de acción rayan en lo jalado/inverosímil el tono no ayuda a tomarse en serio a este equipo de espías internacionales.

La historia narrativamente es lineal y esta bien contada, alternando entre la acción y la interacción de los personajes (los cuales son redondos y de cierta profundidad). Al igual que en Los Increíbles, Bird les da un momento especial a cada uno. Sin embargo el villano está sumamente desaprovechado, limitándolo a dos o tres líneas en toda la película y muchos kilómetros de persecución.

Cómo película asilada Ghost Protocol funciona y entretiene bastante bien, como la cuarta instalación de una franquicia de acción ya consolidada y un personaje en desarrollo, nos quedó debiendo y mucho…me parece que el tono de Bird desentona mucho con lo que se venía manejando en las anteriores.

No puedo más que pensar en M:I:II(2000) y en las escenas de John Woo tan artísticas: Tom Cruise colgado en medio de unas rocas en Australia, corriendo entre palomas al vuelo, o la secuencia de tableado con Thandie Newton. Si lo comparamos…de verdad que se reduce a una experiencia diluida, con todo y el IMAX.

Tom Cruise se aferra con desesperación a la franquicia: Misión Imposible en un intento por negar que ya no está en edad de andar saltando edificios…Ghost Protocol es un reflejo de la crisis de mediana edad que experimenta el señor Cruise.

P.D. Paula Patton en el vestido turquesa es espectacular.

Atentado Inmortal

2011-12-21T19:03:00.000-08:00

Entre el mito de los titanes y el del minotauro hay una gran diferencia…pero las inconsistencias entre está historia y la mitología en la que se basa, al parecer tanto para el "director" Tarsem Singh como para los "guionistas" Charley Parlapanides y Vlas Parlapanides, resultan despreciables. El mito griego de Teseo termina siendo un mero pretexto para aventar griegos a la lucha muy al estilo 300 (Snyder, 2006) sin lograrlo.

Narrativamente ‘Inmortales’ está llena de agujeros y clichés que (una vez más) cumplen con la formalidad de la fórmula pero que descuidan completamente el entramado…de verdad a mi parecer estás carencias narrativas son cada vez más recurrentes en las magno-películas de temporada, las producen tan rápido que dudo que estos guiones tengan más de dos o tres tratamientos.

Hollywood sigue creyendo que retacar de efectos especiales es suficiente para que nos traguemos su medio-historia y aunque los números dicen lo contrario, poco a poco la audiencia va respondiendo ante estas estafas y atentados contra la inteligencia del espectador. Ejemplo de esto la pasada Green Lantern (2011)

Tanta pena como gusto da ver a Henry Cavill intentando ser un actor más o menos comprometido y serio en medio de este catálogo de carnicería permeado de una sexualidad en conflicto, inherente al "director" Tarsem Singh.

Freida Pinto no deja de ser el adorno exótico, exuberante, bello y a la vez inocente y virginal que es en todas las películas en las que participa, y una vez más de rojo. Debo aplaudirle al director la elegancia con la que retrata el desnudo de la actriz en pantalla. Al parecer es lo único a lo que se dedico este señor con está película…podríamos decir que es su propia ofrenda a Afrodita…¿resaltar el desnudo y la sexualidad y el cuerpo como uno de los valores de la época?¿será? Me cae que de chiripa….

Ya nomás por no dejar, el sonido, la música y los diálogos al parecer tiene un desfase con la imagen…y no, no era problema del cine, literal están mal puestos, o entran antes o terminan después, el caso es que no cuadran narrativamente. Al contrario…desconciertan por su tono y tiempo. De verdad parece como si le hubieran movido ese canal sin querer y se les olvido y lo dejaron así…¡Ah! Pero,¿en realidad lo hicieron a propósito? Difiero con su decisión.

Además de la sobre-exposición de torsos desnudos y una que otra fantasía fetiche del director con el área genital, que refuerza con la fotografía pero que reprime con el departamento de arte, 'Inmortales' carece de un intento de conexión/diálogo con el espectador, es un fuego artificial que explota en la pantalla por el mero hecho de explotar, no hay absolutamente nada que nos conecte con esta historia ni con estos personajes tan vacíos y confusos entre sí.

PD. Mickey Rourke se empeña en convertir sus villanos en caricaturas…el diseño de arte no le ayuda.

PD.2. Esto cómo película es una mierda, cómo catálogo de encuerados es un deleite.

2x1: Hilary Swank

2011-12-19T11:37:00.000-08:00

En ‘Conviction’(2010), Swank interpreta a Betty Anne Waters una mujer de un pequeño pueblo que decide dedicar su vida a probar que su hermano Kenny (Sam Rockwell) es inocente luego de que él es arrestado y acusado de un asesinato local.

Es de admirar que está historia está basada en un caso real por la determinación con la que Betty Anne lucha incansablemente por que se haga justicia. La película nos mantiene ahí por el morbo de saber si Kenny realmente es culpable o no, pues ambas posibilidades se plantean como viables.

A pesar de la riqueza de la historia, el guión está construido de la manera más cuadrada y metódica que pierde completamente todo rasgo genuino, los hechos reales se ven acomodados de tal forma que hacen que funcione la historia en pantalla pero que sabemos que en la vida real las personas y las situaciones no se presentan así.

Podríamos resumir ‘Conviction’ en: Personaje abandona todo en su lucha por hacer lo correcto. Un ideal, una causa, siempre es más importante, “más trascendente” que cualquier otra cosa. En este caso la justicia y la verdad. ¿De verdad podemos renunciar a todo por un ideal? ¿A costa de qué?

La película está dirigida por el actor y director Tony Goldwyn y escrita por Pamela Gray.

…

Garry Marshall hace de las suyas otra vez y presenta su tarjeta Hallmark de este año: ‘New Year’s Eve’(2011) la cual reúne a un ensamble extravagante de actores y actrices, tal y como lo hizo en su anterior Valentine’s Day(2010). Hilary Swank interpreta a Claire Morgan, encargada de hacer que una bola de luz caiga a la media noche en el magno-evento en Times Square, en Nueva York.

No vale la pena ahondar más en la película pues de verdad es una porquería…un guión pésimo, actuaciones inútiles, situaciones intrascendentes…vaya…una perdida de dinero y tiempo. Sin dejar de lado la típica moraleja-muy-americana característica de Marshall.

La única historia de las múltiples que hay que me pareció mínimamente entretenida fue la de Zac Efron y Michelle Pfieffer sobre las New Year’s resolutions de una mujer madura amargada con la vida que encuentra en un joven exageradamente entusiasta las ganas de revivir. Esto y las intervenciones caricaturescas de Sofía Vergara.

Round en Repetición

2011-12-17T17:09:00.000-08:00

Desde hace varios años a la Academia hollywoodense le ha dado por poner en el mapa películas relacionadas con el derroche de testosterona que gira alrededor de un Wrestler (Aronofsky, 2008), Fighter (Russell, 2010) o en este caso un Warrior (O’Connor, 2011).

Al final es la misma gata revolcada o mejor dicho madreada: personaje encuentra en la violencia deportiva la redención y la calma a sus quejares de la vida, siempre relacionados con el abuso ya fuera de sustancias o de otro tipo, una desgarradora y emocionante historia llena de sangre, sudor y victorias. ¿Tendrá que ver con eso de que el dolor interno se saca a través del externo (Dato de la semana: 10% de los adolescentes en México se autolesionan) rematando con un momento de verdad en el último round.

¿Éste tipo de historias llenan el vacío que dejó el abandonado western dónde la masculinidad se reafirmaba a punta de balazos desde el cine de John Wayne y John Ford, o son remanencias del Rocky de los 80’s? Hollywood siempre ha sido desfachatadamente dominado por una visión masculina y no es de extrañarse que ante la amenaza que significa el éxito de las mujeres en el cine de un tiempo para acá, los dinosaurios que forman la Academia y los diferentes sindicatos de la industria cinematográfica subrayen estás historias.

Warrior, está co-protagonizada por Joel Edgerton, quién encarna a Brendan, un padre de familia de día y un peleador de artes marciales mixtas de noche, todo por salvar a su demasiado-guapa esposa e hijas de la bancarrota, perder su casa, o aceptar que hasta el gringo promedio no puede vivir su american dream en medio de una crisis financiera global. Tom Hardy completa la dupla en está historia, interpretando al hermano de Brendan, Tommy, un tipo que se hace el rudo a costa de parecer retrazado mental y que termina siendo un héroe de guerra, un fenómeno mediático, un traidor a la patria y ya de refilón termina reconciliando a la familia completa. Ah! Por que está historia no sería nada sin el fantasma del padre alcohólico (Nick Nolte) quién también es entrenador de artes marciales mixtas.

Se rumora que Nolte será nominado al Oscar por su interpretación del padre alcohólico y específicamente por una escena (la típica escena) en que los mocos, las lagrimas y el patetismo de un tropezón en el cuarto escalón o paso, es inevitable y según la Academia, digna de una estatuilla dorada.

Una crítica incluía en su crítica de Warrior algo así cómo: “…al final está es una historia de amor” ¿qué bonito suena no? Perdón, pero después de tantas…yo ya no me la compro.

Querido Hollywood, está Navidad te pido que intentes mejorar la calidad de tus historias y que intentes contarnos cosas nuevas e interesantes y no lo mismo una y otra y otra vez…ya te pareces al disco rayado de Televisa.

¿Es mucho pedir o de plano los medios están en un loop eterno de repetición?

Lo mejor de esta pelí es la sesión de fotos que el fotógrafo Tim Palen armó con los actores de la cinta --> The Men of Warrior

00:00:01N T1M3

2011-12-12T13:34:00.000-08:00

“El tiempo es lo más preciado que tenemos”.- es una frase que seguramente todos hemos dicho o escuchado y que resulta la premisa de la película In Time mal-protagonizada por Justin Timberlake.

Me parece sumamente interesante la propuesta que intenta hacer el director-guionista Andrew Niccol a partir de la importancia del tiempo y el tiempo como moneda de vida, desafortunadamente no logra explotar y proponer con su premisa y todo el potencial se diluye en una tomada de pelo que se preocupa más por cumplir con el género de persecuciones y balazos que con su argumento.

No digo que la reflexión filosófica del tiempo impida contar una historia de acción, sin embargo creo que en este caso está muy desaprovechado. Además con películas como Gattaca(1997) o The Truman Show(1998) en su historial filmográfico, sabemos que Niccol sabe contar este tipo de historias y que normalmente nos sacuden moralmente sin dejar de entretenernos, ¿Qué pasó con In Time?

Una de dos…o la mano del productor y del estudio terminó metiéndose en lo que no les importa -como suele suceder en Hollywood con películas de estos presupuestos- o no le dieron tiempo suficiente al guionista de trabajar sus personajes y su historia. ¿O de plano no es el mejor trabajo del director, perdió el toque?

In Time, resulta una mala mezcla de: Robin Hood, Bonnie & Clyde, Peter Pan aderezado de belleza, y un rastro de Momo, la gran obra literaria de Michael Ende. Perdiéndose en personajes poco construidos, especialmente el de Amanda Seyfried, en la pésima actuación de Timberlake y en un guión lleno de agujeros y momentos de acción metidos a la fuerza en una historia que da para más…mucho más.

Es un placer tener a Cillian Murphy en escena sin embargo la motivación de su personaje es extraña y poco justificada. En general los personajes rebotan entre sí sin rumbo y con muchos clichés que hacen de la historia algo casi caricaturesco.

La película salpica la belleza de Olivia Wilde, Mathew Bomer, y Alex Pettyfer por aquí y por allá, reduciéndolos a personajes catalizadores sin ninguna profundidad. Maniquís en el aparador de Niccol.

El tiempo es lo más preciado que tenemos…no lo desperdicien viendo está película.

"Calendars and clocks exist to measure time, but that signifies little because we all know that an hour can seem as eternity or pass in a flash, according to how we spend it." - Michael Ende

Epidermis Escalofriante

2011-12-05T20:03:00.000-08:00

El nuevo film del director español Pedro Almodóvar, La Piel Que Habito, resulta un interesante ejercicio de mezcla de géneros cinematográficos, en una exageración provocativa muy al estilo del director.

La historia tiene sus altas y sus bajas, en general es buena pero el guión dista mucho de ser congruente consigo mismo, se plantean situaciones que después no se retoman, no contribuyen en acción a la historia, si no más bien rellenan la extravanganza del director.

La película abre con una indagación sobre bio-ética, una investigación sobre la piel y experimentación en el laboratorio…elementos que no se vuelven a retomar a lo largo de la trama, la importancia de la piel o el desarrollo que se plantea es inexistente y se desvía al lugar común almodóvariano: el transexualismo y el travestismo. De entrada el tema de la piel como travestismo primigenio es potente e interesante sin embargo la propuesta se diluye al cabo de unos minutos.

A pesar de que Almodóvar recurre a actores con los que ya ha trabajado antes, no parecen sentirse cómodos con la propuesta, empezando por el protagonista que encarna Antonio Banderas, quién recuerda al vouyerista de ‘La ventana indiscreta’ de Hitchcock, incluso el tono de la ‘La Piel Que Habito’ recuerda en algunas partes a la película mencionada.

Por su lado Elena Anaya no es más que un accesorio escultural, un cuerpo objetivizado que se explota en cada plano en el que aparece. Marisa Paredes esta muy desperdiciada en un papel plano y poco interesante. La participación de Roberto Álamo es grotesca, cómica y completamente innecesaria, su personaje no tiene un sustento suficientemente fuerte como para existir dentro de la trama.

La interacción que tienen los personajes resulta acartonada con diálogos artificiales y momentos que caen en la telenovela, tales como soliloquios y miradas al infinito con pausas dramáticas.

En términos actorales, me parece que lo más destacable es la participación del joven actor Jan Cornet, a quién se le da poco peso en pantalla, privilegiando a los actores veteranos de más renombre.

La secuencia de la cantante Buika despierta otro tipo de emotividad que resulta un respiro en la sofocante trama. La fotografía de José Luis Alcaine es impecable.

En conclusión ‘La Piel Que Habito’ no es lo mejor de Pedro Almodóvar, sin embargo no deja de ser una película que sí logra dejarle al espectador un sentimiento incomodo acompañado de pensamientos rumiantes y un tanto escalofriantes, la propuesta es provocadora y violenta. Me parece un derroche, una exageración que lleva al limite con el mero objetivo de hacerlo.

La provocación por la provocación diluye la propuesta, deja de establecer un diálogo con el espectador y solo se queda el impacto. Lo que pudo ser una reflexión interesante del cuerpo posmoderno se queda en un ejercicio referencial sin mucho más que decir.

¡Qué empiece la Navidad!

2011-12-01T10:00:00.000-08:00

Qué mejor que empezar el mes de diciembre con una película que habla de ayudar a los demás, de la empatía hacia el diferente, de solidaridad, de hacer un cambio, de luchar por los sueños...en momentos difíciles siempre es bonito la temporada decembrina pues las tiendas y la fiebre consumista nos quita un ratito de encima la angustia de lo jodido que estamos como sociedad y seguramente también como individuos...merry xmas! (aunque todavía falte un pinche mes)

'THE HELP' aborda el tema del racismo en el profundo sur de Estados Unidos, previo a liberación de Martin Luther King, ubicándose en Missisipi, uno de los estados dónde por ley se prohibía la interacción entre blancos y negros.

'THE HELP' se centra en Skeeter (Emma Stone) una mujer joven que se sale del estándar de sus contemporáneas, pues busca la independencia, la realización personal y profesional y que es capaz de ver más allá de lo cotidiano. Ahondando en la vida de la servidumbre negra en casas de blancos, que hacían más que lavar, planchar y cocinar, se convertían en las madres de niños y niñas blancas que cuando crecían se convertían en su patrones, un esclavismo reglamentado, avalado por el gobierno y la costumbre.

El melodrama actuado principalmente por mujeres (Viola Davis, Jessica Chastain, Allison Janney, entre otras) y dirigido a un público femenino funciona como pequeñas subtramas que giran entorno al personaje principal en un no tan balanceado ensamble.

La película se la lleva Octavia Spencer con su malhumorada Minny y la escatológica-y-muy-gringa venganza contra la stepford-wife más mala del pueblo (Bryce Dallas Howard). Sí bien la película cae en momentos en la comedia boba y sosa, el intercambio con el drama y el contexto en el que se ubica no deja que nos relajemos tanto.

¿Por qué una película de estás en el EE.UU de hoy? ¿Todavía hay racismo? ¿Discriminación? ¿Qué no ya hasta el presidente es negro?

Acá en México resuena ampliamente está película pues la discriminación y el sistema feudal à hacendados sigue siendo parte de las familias mexicanas. La “muchacha” (como les decimos acá) también se convierten en parte de la casa, madres sustitutas, cocineras legendarias…etc. sin embargo siempre como un ente ajeno, una expresión más de un sistema dicotómico que se remota a la colonia española y que resulta la tortilla de cada día en México. La diferenciación de clases, el naco vs. el fresa / el rico vs. el pobre…el criollo vs. el indígena.

‘The Help’ está dirigida por Tate Taylor y vale la pena escuchar la canción ‘The Living Proof’ de Mary J Blige que forma parte del soundtrack.

LadoB: Chris Evans

2011-11-28T19:59:00.000-08:00

Chris Evans para mucho es solamente un pedazo de carne en las películas de superhéroes, la cara bonita de un actor sin talento que se presume como galán Hollywoodense pero no deja de ser all-american guy…es decir un gringo desabrido más en el firmamento cinematográfico de la industria blockbustera.

Y seguramente fue justo por eso que lo eligieron para personificar al héroe más americano de todos: Capitán América. Sin embargo Evans dudó mucho en aceptar el rol…e intenta compensar su decisión con papeles “atrevidos” o por lo menos que distan mucho del modelo a seguir.

Ya fuera como Johnny Storm en Los 4 Fantásticos(2005,2007), con la más independiente PUSH(2009), o uno de los exnovios malditos en Scott Pilgrim(2010), Chris Evans intenta (desesperadamente o no) escapar de los estereotipos, en un primer momento con London(2005), y ahora con Puncture(2011) en ambas el personaje de Evans es drogadicto, característica que ningún superhéroes que porta la bandera americana podría ostentar.

Es interesante la elección de Evans, sobre todo su más reciente, pues el mismo año se coloca al mando de los vengadores después de su estelar lanzamiento que más bien resulta una campaña nacionalista contra una película que no sólo el antihéroe termina glorificado por su labor, si no que crítica seriamente al sistema capitalista que prefiere callar a punta de pistola que perder un centavo.

Puncture aborda el caso del abogado Mike Weiss, quién hace unos años murió en el intento por defender y llevar a juicio a las productoras de jeringas desechables a favor de comercializar y sustituirlas por jeringas de seguridad, ya que las primeras son una de las causas de mayor contagio de enfermedades en hospitales y en muchos países marginados.

La película en general tiene varios aciertos, si bien el descamisado cuerpo de Evans no resulta convincente como el cuerpo de un adicto su mirada logra trasmitir algo. El personaje está muy bien trazado, inserto en un ambiente real pero que drásticamente avanza. El subtexto que los directores: Adam Kassen y Mark Kassen, van trazando en imágenes esta muy bien logrado, sin embargo al final no logró descifrar la motivación real del personaje por “hacer lo correcto” cuando el personifica precisamente lo contrario.

La propuesta de Evans es interesante, pero definitivamente es de llamar la atención que el actor presente dos trabajos tan contradictorios en su discurso el uno con el otro. ¿Qué querrá Chris Evans decir con esto? ¿Realmente tiene una postura política al respecto? De ser así, acepto el rol de Capitán America, exclusivamente por el pago? ¿A caso Puncture es una cachetada con guante blanco? Hace unos días Evans anunció su participación en ‘The Iceman’ que gira entorno a un asesino serial y que saldrá después de los esperados “Vengadores”.

Artífices de Belleza

2011-11-27T19:14:00.000-08:00

Twilight Saga: Amanecer .- Del desconcierto al entendimiento o Una crítica al artífice de la belleza.

La saga de Twilight abre las puertas a una demografía hasta hace poco abandonada: las adolescentes, pubertas calientes con la hormona a tope ávidas por un galán descamisado que las salve sin mermarles su independencia, sin embargo, hasta para hablarle a ese público, insisto, hay que apelar a un grado de calidad y no a la telenovela a la que Televisa nos tiene acostumbrados…digo por $60 y tantos pesos que cuesta el cine…lo mínimo que podemos esperar es que valga la pena la película.

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ADVERTENCIA: A continuación se presenta una reflexión a propósito de: Twilight Saga: Amanecer, Parte 1. Confieso NO haber visto la película, sin embargo me atrevo a indagar sobre el fenómeno, si bien no en lo particular, si en lo general.

Estás líneas surgen a partir del avistamiento inducido, más bien obligado, de la portada de una revista en dónde aparece el trío Twilight, específicamente me llamó la atención Tylor Lautner, no por su sobreexpuesta musculatura mediática, si no por su nariz, la cual al instante notó reducida.

Lo que me lleva a pensar sobre la construcción de íconos, estándares de belleza, ilusiones mediáticas, efímeras pero suficientemente trascendentes para impactar en la psique de cualquier adolescente precoz y una que otra solitaria twilight-mom. La nariz modificada quirúrgicamente de Tylor Lautner es sólo un ejemplo/resultado de la falsedad que permea al canon de belleza actual. ¿o es que el canon ya incluye cirugía plástica per se? ¿es acaso un requisito para cumplir con la demanda de la sociedad? Si es así, me resulta aterrorizante.

Y no hay mejor día para indagar al respecto que hoy, pues justo hace unas horas visité la exposición ‘Cuerpo y Belleza en la Grecia antigua’ que se presenta en el Museo Nacional de Antropología e Historia de la Ciudad de México, que precisamente reflexiona entorno al concepto de belleza en la época clásica. Me llamó la intención la importancia que le daban a la apariencia física en ese entonces (que no dista mucho de la que se le da el día de hoy), era una sociedad narcisista que así como hoy sólo develaba un miedo exacerbado a la muerte.

Al no tener una fe (ya sea en la ciencia o en alguna religión) anclada, si no diluida y satisfiza en la cotidianeidad de un café de Starbucks, la cultura insiste en negar/esconder/maquillar/ignorar la única certeza que tenemos en la vida: la muerte.

Libertad de Expresión vs. Seguridad Nacional

2011-11-25T09:45:00.000-08:00

Inspirada en hechos reales, protagonizada por una no tan glamorosa Kate Beckinsale y dirigida por Rod Lurie, quién acostumbra historias de controversia política, Nothing but the truth (2008) pasa desapercibida en la taquilla, sin embargo es un drama bien construido, bien contado y sobre todo interesante al mismo tiempo que crítico y humano.

Lurie retoma el caso de la periodista Judith Miller, reportera de The New York Times que en 2005 fue encarcelada por no cooperar con el gran jurado en el caso de Valerie Wilson/Plame, ex-agente de la CIA quién fue expuesta públicamente y de la cual también hay una película que aborda el punto de vista desde Valerie: Fair Game (2010) protagonizada por Naomi Watts.

Lurie ficcionaliza la historia de algún modo para mantenerse a distancia cambiándole los nombres a los personajes, sobre todo por el cuestionamiento ético y moral que hace directamente al sistema judicial norteamericano, mucho en defensa de los derechos del periodista que se ven mermados empezando por la primera enmienda (Libertad de Expresión) de la Constitución Política de los Estados Unidos.

Siendo un país que se ha “caracterizado” por ser el país de la libertad y claro siendo el primero que viola al exterior pero que “defiende” al interior (domésticamente). Lurie pregunta: “¿Qué tanto sí y qué tanto no?” ¿De verdad se aboga por la libertad? ¿A costa de qué? Siempre y cuando no atente con la famosa “seguridad nacional”, pretexto favorito que justifica cualquier acto por parte del gobierno estadounidense.

Kate Beckinsale deja a un lado la ciencia ficción y la guerra de vampiros para entregar un papel serio, insertado en una historia basada en hechos reales, que presenta un atentado contra la integridad de un ser humano a costa de intereses gubernamentales. Vale la pena las actuaciones tanto de Beckinsale como de Vera Farmiga, y Matt Dillon. Lurie conecta los personajes, alternando emotividad vs. acción dentro del desarrollo de la historia.

Desgraciadamente es una gran historia, una gran película, que pasó desapercibida en su momento, pero que vale la pena rescatar.

Hollywood: ¿Closet o escaparate?

2011-11-21T10:47:00.000-08:00

La homosexualidad siempre ha existido, no siempre ha sido fácil. Inclusive en la actualidad para muchas personas sigue siendo un tema tabú o peor aún lo consideran como una enfermedad, un mal, un pecado. Pensamiento que no dista mucho del que imperaba en la década de los cincuentas, donde ser homosexual no era una opción y menos para uno de los galanes más prestigiados de Hollywood: Rock Hudson.

En el documental Rock Hudson’s Home Movies (1992) el director Mark Rappaport hace un análisis de Hudson a partir de sus supuestas memorias e ilustrándolo con fragmentos de su extensa filmografía a modo de evidencia de su latente homosexualidad. El análisis llega a ser un tanto forzado y desconozco la fiabilidad de la fuente de Rappaport, sin embargo, no deja de ser interesante la propuesta que el director hace sobre la manera en que Hudson manifiesta en subtexto y a través de su actuación su homosexualidad, desafiando a la sociedad conservadora de entonces.

De inmediato me viene a la cabeza referencias como Far From Heaven (Haynes, 2002) en donde se aborda la temática mencionada y que además es una reinterpretación contemporánea de All that Heaven allows ( Sirl, 1955) protagonizada por Hudson. Si bien en la versión de 1955 no se toca en ningún momento el tema de la homosexualidad, de alguna manera Haynes en su versión lo rescata, subrayando indirectamente la polémica entorno al secreto del actor original.

Rock Hudson’s Home Movies, es interesante y funciona como un ejercicio de análisis semiótico del discurso de un época en la que el glamour de las celebridades hollywoodenses era la cortina de humo de una sociedad conservadora y atemorizada de ser y pensar algo distinto a lo acostumbrado o establecido, y que además estos valores conservadores eran completamente reforzados y resaltados en el cine de la época. Hudson resulta disonante, pues se sale de las expectativas de lo que se esperaba de él como actor.

¿Qué esperamos de nuestros actores el día de hoy? ¿El ser figura pública implica un sacrificio de nuestra identidad? O al final todo es parte del gran acto mediático?

Life in a Day

2011-11-16T16:01:00.000-08:00

‘Life in a Day’ es un viaje alrededor de todo el mundo que rescata de manera artística y sumamente agradable la cotidianeidad de millones de personas que contribuyeron con la tarea de videograbarse durante 24 horas para contestar a la pregunta: ¿Cómo vive el ser humano en el año 2010?

La idea de este documental experimental creado por millones de usuarios a través de Youtube estuvo a cargo del aclamado director y productor Ridley Scott, quién junto con Kevin Macdonald se encargaron de seleccionar el material que terminó siendo parte de la versión final que se estrenó en el Festival de Sundance.

El montaje, la narrativa y los personajes que forman parte de esta historia son fascinantes dentro del paisaje de una vida diaria. De alguna manera los fragmentos que constituyen estás historias resultan sólo retazos de grandes y maravillosas historias, es una antología de vidas que nos deja queriendo saber más.

A mi en lo personal me parece que todos nos podemos relacionar con está historia, pues al final habla de aspectos humanos. La historia que me resulta más interesante es la del coreano que recurre el mundo en bicicleta, me parece sorprendente y conmovedora.

‘Life in a Day’ aborda temas desde qué lleva la gente en sus bolsillos, hasta lo que más aman o temen en la vida. Pasando por los rituales cotidianos como el desayuno, el entretenimiento y una serie de eventos tan triviales como trascendentes. La conjunción de las historias termina siendo un punto de vista sobre la sociedad global contemporánea, su cosmovisión y sus limitaciones.

No olvidemos que este punto de vista a pesar de ser una recopilación de vidas tiene un sesgo subjetivo empezando desde el director del proyecto, el editor, la música, etc. sin embargo no deja de ser un testimonio de varias realidades tan cercanas o lejanas como nosotros queremos o sintamos.

30 minutos menos de mierda

2011-11-12T05:00:00.000-08:00

De una comedia regularzona a una mala mala…llega a los exhibidores mexicanos ’30 minutes or less’ una película protagonizada por el nominado al oscar Jesse Eisenberg y otra bola de actores desconocidos que intentan movernos el labio en pos de una risa con una historia que pretende ser interesantemente chistosa pero que termina siendo un bostezo gigante que ni con palomitas se aplaca.

’30 minutes or less’ es una porquería de película en la que un repartidor de pizzas se ve obligado por un par de pendejos a asaltar un banco ya que le amarran una bomba al cuerpo y lo amenazan y le roban a la novia y se enoja con su amigo que por cierto es también su cuñado…y está película no podría ser más de fórmula…blah blah blah: NO LA VEAN.

Increíble que este producto sea del mismo director (Ruben Fleischer) que nos entregó Zombieland.

Ambiente Laboral [en riesgo]

2011-11-10T10:28:00.000-08:00

Hace poco se estrenó en las salas la película ‘Horrible Bosses’, la cual extrañadamente tenía elementos suficientes para atraerme a la taquilla, uno de ellos: Jennifer Aniston, que a pesar de que sus ultimas comedias han sido un martirio de ver…no puedo evitar querer verla, reminiscencias o nostalgia de Rachel o la esperanza de que regresé esa Aniston más inteligente (Friends with Money, 2006) …además de que el trailer de la película era mínimamente chistoso, sin embargo no tuve tiempo de verla hasta hace poco y como era de esperarse es una comedia más que entretiene y cumple para dominguear a gusto.

Charlie Day, Jason Bateman y Jason Sudeikis hacen un equipo muy a la (Hangover, 2009) de hombres victimizados que sufren las consecuencias de unos jefes terribles, que de alguna manera extraña y más bien por accidente denuncia situaciones como acoso sexual, explotación, abuso de autoridad…problemas que se dan todos los días en el ambiente de trabajo que sea, sobretodo en las corporaciones/oficinas insertadas en un capitalismo que obliga al empleado a escalar la interminable y sinuosa pirámide organizacional.

Definitivamente la aventura a bordo de este ensamble de personajes/actores/caricaturas se la lleva el poco conocido Charle Day con sus escenas over-the-top y sus capacidades histriónicas de una escena a otra, que si bien lo único que hacen es entretener y sacarte dos que tres carcajadas.

‘Horrible Bosses’ es un cliché hecho y derecho y nos hace preguntarnos: ¿Porqué si estos hombres son tan infelices, no renuncian y cambian de trabajo? Obviamente los tres tienen “razones” para no hacerlo…pero no son equiparables con lo que sus jefes los hacen sufrir. En conclusión está película no sería nada sin: Aniston, Farrel y Spacey.

Un amor inesperado

2011-11-06T16:58:00.000-08:00

Mis Tardes con Margueritte (La tête en friche, 2010) es fresca, honesta y simple en el mejor sentido de la palabra. Es la historia de un hombre solitario y limitado (intelectual y emocionalmente) que encuentra enn Margueritte (Gisèle Casadesus), una mujer fabulosa de noventa años, la mejor manera de disfrutar la vida y de reencontrarse consigo mismo y con el amor.

La narrativa se alterna entre la cotidianeidad de Germain Chazes (Gérard Depardieu), su pasado y la conflictiva relación con su madre, y los encuentros vespertinos con la fragilidad de la amorosa Margueritte.

Es un placer escuchar el francés de Gisèle Casadesus, contrastante con el tumulto torpe y descuidado que encarna Depardieu.

Mis Tardes con Margueritte, tienes sus momentos cómicos y es una película ligera, digan de verse para cuando se está en ese humor.

…trick or treat?

2011-10-31T16:50:00.000-07:00

Hoy es Noche de Brujas y que mejor que “celebrar el miedo en sociedad” con la película ‘Contagio’ que si bien no entra en el género de terror, si intenta reflejar un miedo inherente en el ser humano del día de hoy: la extinción.

Steven Soderbergh una vez más reúne a un reparto inigualablemente inútil e intrascendente pues cada uno de los personajes representa un micro fragmento de una historia que promete pero que no termina de contarse.

Son tantas las historias que no logra enfocarse en ninguna y el espectador intenta ir de una a otra sin mucho éxito. ‘Contagio’ pudo haber sido una gran película. No lo es.

La historia nos la han contado varias veces, las consecuencias sociales, el miedo y la reducción de la humanidad a su más primitiva esencia a causa de una crisis global tampoco es un terreno inexplorado. …entonces ¿Qué hace de está película algo interesante? Podríamos incluir el efecto de las redes sociales en la opinión publica, así como su función de contrapunto que cuestiona y crítica las versiones oficiales de los medios de comunicación vendidos o comprados por los gobiernos. ¿dónde queda la verdad?

Sobra nombrar a la serie de actores y actrices que integran el reparto de está película…pues es ridículo el talento que se reúne para un proyecto tan mal contado.

Soderbergh recurre a la mezcla de géneros y termina resultando un collage confuso y de poca profundidad. Contagio, es la historia de una enfermedad nueva que se propaga por contacto físico y que va reduciendo a la población mundial en cuestión de días…crisis a la que se enfrenta un padre de familia, la OMS, el gobierno de Estados Unidos, un reportero digital, etc..etc..etc…todos al mismo tiempo, todos sin rumbo, todos con incertidumbres…yo me pregunto: ¿Qué personaje construyen estos actores si su participación es casi equiparable a la de un extra?

‘Contagio’ es más de lo mismo, con muchos actores y poco contenido.

P.D. La extinción es inminente…el día que nos toque, así será, mientras tanto…trick or treat?

P.D. 2. Seria un regalo ver a nuestra Mtra. Elba Esther formar parte de una crisis así...todos recordamos su hermoso discurso sobre la AH1N1...casi a la altura de Marion Cotillard o Kate Winslet.

2x1: Brad Pitt

2011-10-26T10:35:00.000-07:00

Actualmente Brad Pitt se posiciona en la cartelera con sus dos últimos trabajos: “El juego de la Fortuna” (‘Moneyball’) y “El árbol de la vida” (‘The Tree of Life’) en ambas hace un trabajo extraordinario, y no queda más que agradecerle por involucrarse en proyectos tan interesantes como los mencionados.

Después de varios baches en el camino (cambios de director, un presupuesto limitado, etc.) Brad Pitt se aferró al proyecto: Moneyball, que resulta una producción grande con un aire de cine independiente, haciendo cada minuto de la trama contar. ¿Cuántas veces hemos visto las grandes películas con grandes actores que terminan dando un resultado insatisfactorio, aburrido, o mal logrado?

‘Moneyball’, no es la típica película deportiva hollywoodense…es una historia sobre toma de decisiones en tiempos de crisis, sobre actuar y resolver, sobre innovar, sobre salirse de la zona conocida y atreverse y apostarle a ideas nuevas, tomar riesgos, perseguir sueños y aprender a perder para ganar.

Brad Pitt encarna a Billy Beane, el encargado de llevar a la cumbre a un equipo de beisball en crisis. Beane decide reinventar la estrategia y contrata a Peter Brand (un Jonah Hill más serio de lo normal) un chico que ve más allá de lo aparente.

La calidad del guión a cargo de Steven Zaillian y Aaron Sorkin se nota. De hecho de alguna forma se permea en la dirección la pluma de Sorkin, pues hay varios momentos en la película en la que se siente una narrativa que recuerda a su anterior ‘The Social Network’.

Por otro lado, Terrence Malick dirige a Pitt en ‘The Tree of Life’ una película que se sale de lo cotidiano, definitivamente un reto para el espectador común. Yo no la describiría como una película, si no como una obra cinematografica impresionista que intenta contar el origen de la vida desde el Big Bang hasta el día de hoy a través de fragmentos visuales que se yuxtaponen en la historia de Pitt (un padre autoritario y en conflicto con su paternidad) a lado de su esposa Jessica Chastain (la madre naturaleza, amorosa y protectora) y sus hijos (principalmente el mayor que entra en conflicto con el padre, una etapa a la que Freud identifica como el parricidio simbólico). La fotografía a cargo de Emmanuel Lubezki, hace de la experiencia cinematográfica un deleite visual.

Brad Pitt ha sido desde hace un par de décadas uno de los actores más taquilleros y queridos en la pantalla, desde su inocente y casi por accidente encantadora mirada en ‘Meet Joe Black’, pasando por las escenas violentas y las listas del más sexy con ‘Fight Club’, Pitt se consolida el día de hoy en el cine contemporáneo ya no como el mejor pedazo de carne en el refrigerador, si no como un actor maduro que se preocupa por elegir papeles con mayor profundidad y proyectos que resultan dignos de contarse.

Casa de los sustos

2011-10-23T12:20:00.000-07:00

‘Dream House’ se embarca en una historia de fantasmas…corrección: ‘Dream House’ se embarca en una historia de un crimen…o será un thriller psicológico…no, definitivamente es una película de miedo…¿no?

Ni una ni otra, ni fu ni fa…el director Jim Sheridan a cargo de contar está historia no termina en ponerse de acuerdo en que tono esta el ecléctico y sin chiste experimento que resulta ‘Detrás de las Paredes’ nombre con el que se distribuye en nuestro país.

Daniel Craig protagoniza la película como Will un padre de familia que va de asesino con amnesia a héroe redentor que termina salvándole el pellejo de refilón al personaje “misterioso-que-no-hace-nada-pero-se-que-importa-por-que-es-Naomi-Watts” en un desenlace sacado de la manga.

Sí bien el tema de la identidad flota en el aire, la construcción narrativa y tonal resultan confusas. Los eventos aislados y los clichés multi-genéricos pasan desapercibidos al paso de una trama que logra de alguna manera entenderse.

Rachel Weisz es un adorno en la película al igual que Watts…¿Qué hacen en está película? El talento involucrado es desproporcionado al producto final.

‘Dream House’ es una más en la temporada...

Amor en elipsis

2011-09-24T19:51:00.000-07:00

Yo, un adicto al drama, a las historias entrelazadas, a los cuatro personajes, a las relaciones interpersonales, al amor, al deseo, a la infidelidad, al cine…qué más puedo pedir? LAST NIGHT escrita y dirigida por Massy Tadjedin, explora todas estás temáticas, que aunque muy visitadas por Hollywood, logra contarlas de una manera nueva, innovadora, geométrica, impulsiva e interesante.

La cámara se enfoca en Keira Knightley y su personaje Joanna, quién después de reclamarle al marido (Sam Worthington post-Avatar) que se acostó con Laura (Eva Mendes: Hollywood’s whore) se enfrenta a su propio deseo infiel.

Es interesante como Tadjedin maneja el tiempo, pues realmente la película transcurre en una sola noche, sin embargo los momentos y la manera en que crea la tensión entre los personajes es magistral, no parece que sea su opera prima. LAST NIGHT es una de esas películas que pasan desapercibidas pero que si nos detenemos un poco a verlas descubrimos lo bien hechas que están y lo mucho que vale la pena explorarlas.

Al final, la infidelidad no siempre es mala. Creo que la sociedad la ha castigado siempre injustamente, pues es imposible que el sistema monógamo permanezca en un mundo de posibilidades y necesidad infinitas. Sí bien claro que es bonito construir una relación, también es cierto que no podemos tener todo con una sola persona, habrá asuntos o esferas en las que no resulte de lo mejor y es ahí dónde entra ese otro que termina de completar el círculo.

LAST NIGHT es un claro ejemplo de como cabe el concepto de infidelidad en una relación sana.

Locuras de amor

2011-09-21T09:28:00.000-07:00

L'Amour Fou que se presentó en el 15vo Tour de Cine Francés en la Ciudad de México, resulta más que un documental, una carta de amor de Pierre Berge al diseñador y pareja Yves Saint-Laurent.

El director Pierre Thoretton, retrata espacios vacíos que la pareja compartió por años, desde una cabaña en Normandía hasta un palacio en Marrakech. Estos espacios resultan etéreos y tristes, pues reflejan un amor que ya no está, una falta. La narración de Berge tan intima y desgarradora se contrapone con los espacios fríos, inmóviles, sin vida, ni amor…sólo objetos.

L'Amour Fou, hace un recorrido por la vida del diseñador, desde sus inicios en la casa de moda Dior, su independencia, su consagración como diseñador internacional y su decisión de renunciar en el clímax de su carrera. Los éxitos profesionales se alternan con sus caídas personales y anécdotas cotidianas que completan sus grandes amigos, sus musas, sus modelos y por su puesto su compañero de vida Pierre Berge.

El documental se mantiene en un tono solemne, como de luto…acompañando a Pierre en su despedida. Nosotros como espectadores nos quedamos de cierta manera al limite de las emociones, Pierre no nos deja ir más allá…se reserva, se contiene. Hay un grito…una lágrima que no deja salir.

Un vistazo al corazón

2011-09-19T18:57:00.000-07:00

La comedia romántica francesa muy a la gringa Et soudain tout le monde me manqué protagonizada por la hermosa Mélanie Laurent cuenta la historia de Justine y su padre, quienes a lo largo de los años han pasado desapercibidos en la vida del otro por miedos y secretos, imposibilitados a relacionarse y comunicarse más allá de las comidas familiares.

Justine, vive enojada con su padre fantasmático y castiga al padre Real. Mientras que el padre se relaciona con Justine a través de sus ex novios, una hija construida como piezas de un rompecabezas que nada se acerca a la Justine original. Y que finalmente muchas veces muchos de nosotros nos relacionamos así con los demás.

La obsesión de Justine con las radiografías resultan una metáfora de su infinita necesidad de ver más allá de lo aparente, de la imposibilidad de accesar a las personas desde su corazón y no desde sus mascaras. ¿Será posible? ¿Qué tanto dejamos ver? ¿Qué tanto vemos?

La película es una joya, visualmente, narrativamente y sonoramente. Es un vistazo al corazón de los personajes y nos invita a cuestionarnos la relación que tenemos con nuestros padres y la manera en que los años se nos escapan de las manos hasta que solo ante la muerte somos capaces de salirnos de nosotros mismos y empezar a ver al otro.

El soundtrack a cargo de Nathan Johnson es impresionante.

México Sangrante

2011-09-15T18:47:00.000-07:00

Miss Bala es una historia que se embarca en la problemática del narco en México, reflejado en el personaje de Laura, que es una persona común y corriente, como tú y como yo que por accidente o inevitabilidad se involucra con el narcotráfico, convirtiéndose no sólo en una víctima si no en cómplice-a-huevo, al margen del concurso de Nuestra Belleza Baja California.

Los limites que se puso Naranjo para no caer en lo que ya estaba dicho y visto y realmente entregar un producto nuevo y original para el espectador saturado de violencia en una sociedad lastimada.

Las escenas correspondientes al concurso de belleza “Nuestra Belleza Baja California” resultan cínicas e irónicas frente a las adversidades que Laura está viviendo tras bambalinas, exactamente como funciona nuestro gobierno y nuestra sociedad.

Gerardo Naranjo se consagra en el firmamento de directores mexicanos contemporáneos, avalado por su reconocimiento en el pasado Festival de Cannes y por la productora mexicana Canana.

Gerardo Naranjo recurre a actores nuevos o con poca experiencia llevándolos al limite de sus capacidades histriónicas y retándolos a la par que reta al espectador. Stephanie Sigman, es una grata sorpresa en pantalla, que si bien no es la actuación de su vida, lo hace bastante bien.

Naranjo se queda con el personaje todo el tiempo, no perdemos ninguna reacción de ella y toda la acción recae en su mirada, la misma que entrega al espectador y con la que nos conectamos directamente.

Es un juego de miradas que hacen de la experiencia cinematográfica trascender la pantalla, tocarnos el corazón y lo más increíble es que es sólo un fragmento de una realidad que todos los días tratamos de negar, de obviar, acostumbrados a una violencia constante, a una guerra perdida, a un México sangrante y deshecho que se tambalea hacia un futuro incierto y desesperanzador.

“Miss Bala” es un alzar la voz. Este 15 de Septiembre no hay nada que celebrar, pues en nuestro país no hay democracía, no hay seguridad, no hay garantía...mucho menos libertad.

Regresar a Empezar

2011-09-07T09:41:00.001-07:00

The Beginners, escrita y dirigida por Mike Mills, es una historia de amor y muerte, del duelo y de recuperación, de salir adelante y apostarle siempre al amor y atreverse a vivir. Protagonizada por el agradable Ewan McGregor, la hermosa Mélanie Laurent y el señorón Christopher Plummer.

Oliver(McGregor), un ilustrador hastiado de su vida y decepcionado del amor se enfrenta a la recién admitida homosexualidad de su padre enfermo (Plummer) y anacrónicamente a la posibilidad de retomar las riendas de su vida y dejarse volver a enamorar de una actriz (Laurent) que le devuelve la luz a su sombría cotidianeidad.

El título de la película se refiera a la posibilidad de volver a empezar siempre que uno lo decida, pues no importa que tan tristes estemos o que tanto nos equivocamos, siempre podemos retomar el rumbo, recobrar fuerza y salir adelante.

El ritmo de la película podrá parecer lento y pesado para algunos pues está cargada de silencios, sin embargo esto sólo acentúa la atmosfera de duelo y subraya el mundo interno del personaje principal: Oliver. Podríamos catalogarla como una película triste, de gente triste y de situaciones tristes…pero Mélanie Laurent se encarga de dibujarnos una sonrisa en la cara cada vez que aparece en pantalla.

Definitivamente es cine independiente gringo que vale la pena ver.

Redefiniendo la actuación

2011-09-07T09:15:00.000-07:00

El personaje de Gollum en la trilogía del Señor de los Anillos encarnado por el actor Andy Serkis fue revolucionaria por combinar la actuación con los efectos especiales, casi una década más tarde James Cameron lo llevó a otro nivel en Avatar(2010), y poco a poco la frontera entre lo digital y lo real se va difuminando en la cinematografía actual.

Serkis vuelve a embarcarse en una aventura anónima al darle vida a César, el protagonista de la nueva entrega de la saga de El Planeta de los Simios, en este caso el génesis de la historia.

La verdad es que Serkis/César se llevan la película y a sus coprotagonistas de calle, reduciendo a Brian Cox o a un recién nominado al Oscar, James Franco a una persona más en la pantalla. El peso de la acción y la trama recae en Serkis y su actuación digitalizada y es realmente admirable el trabajo de este actor, pues no sólo tuvo que actuar un personaje complejo con deseos y motivaciones, si no darle verosimilitud al hecho de que es un mono y un mono inteligente.

La película en términos generales no es mala. Abre ciertas interrogantes éticas y morales sobre asuntos de avances tecnológicos, ciencia y genética que siempre ponen en jaque los valores de una sociedad. Incluso acaricia el tema de las farmacéuticas y el negocio que son no en pos de la salud si no del dinero. Y además de todo cumple con su característica de entretener.

Sí bien pasa un poco desapercibida después de la ola de superhéroes que deja atrás el verano, Rise of the Planet of the Apes, dirigida por el desconocido Rupert Wyatt, cumple y cumple suficientemente bien.

Es interesante como el trabajo del actor se ha ido modificando a la par del avance y la incorporación de las nuevas tecnologías en el arte cinematográfico, cada vez resulta un trabajo más intenso y difícil…claro, para los que se lo toman en serio.

Too much cowboys…not enough aliens

2011-08-29T14:45:00.000-07:00

La película se desprende del cómic del mismo nombre, escrito por Scott Mitchell Rosenberg, y que lo adaptaron a la pantalla Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, Mark Fergus y Hawk Ostby. ¿Cómo es que tantos escritores no pudieron hacer algo descentemente bien escrito con una premisa que se prestaba para algo interesante e innovador? Lo peor del caso es que el Sr. Spielberg y Ron Howard estan detrás de este proyecto que no logra nada de lo que se propone.

Un aplauso a Daniel Craig por intentar hacer algo con un guión tan pobre.

El único personaje bien definido -aun que caricaturesco- es el de Harrison Ford, los demás resultan vacíos, no sólo cuesta identificarse con alguna si no resulta casi imposible conocerlos y entenderlos pues todos parecen cabalgar sobre las líneas del escritor sin aparente causa o efecto…es una película de fórmula con demasiadas personas involucradas apostando por un proyecto que termina quedándose en una buena idea mal lograda. La historia es sumamente lenta y por cumplir con western se desaprovecha la ciencia ficción.

El personaje de Olivia Wilde, Ella resulta un estorbo en el camino que en pos de “generar tension” termina siendo intrascendente y metida-a-huevo, eso sí digna hasta el final con el vestidazo y el maquillaje de pasarela que ni el agua le disuelve.

En conclusion lo nuevo de un inconsistente y tal vez one-hit-wonder Jon Favreau, un cliché más en la pila de blockbusters carísimos y malísimos…

Middle age crisis Rom-Com

2011-08-25T16:05:00.000-07:00

Crazy, Stupid, Love. Es la típica comedia romántica de verano, con el ligero twist de que no aborda una relación desde el cute-meet, si no un middle-age crisis de un matrimonio que se enfrenta a una pausa necesaria en su historia, a una infidelidad, a la monotonía, al seguir estando enamorados el uno del otro sin saber bien a bien por donde o cómo continuar caminando juntos.

El protagonista claramente es Cal, protagonizado por un más maduro Steve Carell, el hombre de la historia, que lucha por recuperar su matrimonio (Julianne Moore) y su perdida masculinidad con los consejos de un Don Juan (Ryan Gosling).

Los momentos entre Moore y Carell en pantalla son entrañables, sin embargo el guión está cargado de personajes secundarios que se entrelazan con la pareja principal de una manera no tan orgánica, dónde la historia de la niñera cobra más importancia que cualquier otra de las subtramas. El tiempo en pantalla de la ex finalista de America’s Next Top Model, Analeigh Tipton es considerable y sospechosamente superior al de Bacon, Tomei, e incluso que la misma Emma Stone.

A pesar de que las historias están bien entrelazadas, la película se hace cansada y larga pues con tal de cerrar todos los cabos sueltos y cumplir con la correspondiente formulita, llega un punto en que resulta insufrible y ni los pectorales de Ryan Gosling al fresco resultan suficientes para mantenernos mirando.

Es un cast demasiado extravagante para una historia sosa que bien podrían cargar Moore y Carell por sí solos.

Por cierto la combinación Moore-Stone en pantalla es explosiva y en este caso sumamente desperdiciada.

Logos, Fobos, Tekné

2011-08-19T17:56:00.001-07:00

Día y noche, miedo y fe, lo feo y lo bello, el bien contra el mal…son algunos de los opuestos que se trabajan en la adaptación al cine del cómic Green Lantern, simplonamente protagonizada por Ryan Reynolds.

El mensaje final con el que nos quedamos es algo más o menos así: “Es bueno ser vulnerable y aceptar que lo eres, esa es la verdadera fuerza.” Pues sí pero para esto nos tuvimos que fletar una gama de efectos especiales chingones sobrepuestos en una trama vacía y caricaturesca.

El papel de la mujer en las películas de superhéroes se reduce a la damisela en peligro cuando el arquetipo resulta caduco frente a la mujer independiente de hoy. Lo bueno es que Blake Lively hace lo posible por entregar una actuación que por mucho supera a Reynolds.

Ryan Reynolds y su nariz chueca rebota en la trama de aqu´í parra allá sin aparente razón alguna, el personaje no lleva las riendas de su destino, si no es el destino el que jala y avienta al ingenuo personaje.

La dirección de Martin Campbell se basa en resaltar la belleza de sus protagonistas a través de constantes close-ups que llegan a ser un recurso gastado y poco justificado.

Los múltiples tratamientos por los que pasó el guión se notan y la multiplicidad de escritores hacen que se vuelva de chile, mole y pozole, el guión resulta desconectado, inconexo y sobretodo mal dialogado.

En general la película se siente todo el tiempo encimada, un personaje sobre otro, una capa sobre otra, una reescritura sobre la otra…el mayor problema de Green Lantern recae en el guión.

Nostalgia/Desperdicio

2011-08-14T20:26:00.000-07:00

Después de esperar y esperar todo el año la nueva película de uno de mis directores favoritos: Woody Allen, por fin pude ver Midnight in Paris, y debo admitir que me decepcionó.

Tanto el guión como la película están bien hechas (como siempre en Allen) pero hubo dos factores fundamentales que para mi juicio la hacen uno más en la basta filmografía del director: premisa y talento desperdiciadas y una reiteración exacerbada de sí mismo.

Owen Wilson protagoniza a Woody Allen en el personaje arquetípico del intelectual frustrado que encuentra (está vez en un viaje en el tiempo) la verdadera inspiración para retomar las riendas de su libro (en este caso) y por tanto de su vida.

El tema central de la película es la nostalgia de tiempos mejores…con la moraleja inconclusa (como al parecer, todo en está película) de que no hay mejor tiempo que el que uno vive, es decir, el presente.

Allen atasca la pantalla de actores y de diálogo haciendo que la trama se diluya entre la parafernalia literaria y artística de los años 20’s , recurriendo a los mismos enredos de siempre, sólo para que su persona principal termine aprendiendo la lección que desde el principio resultaba obvio y predecible.

La participación de Carla Bruni, es tan arbitraria como inconexa como la mayoría de la aventura dentro de está película: ¿Para qué invertir tiempo en la relación con Adriana (Marion Cotillard) si no da los frutos esperados? ¿Para qué el conflicto con Inés (Rachel McAdams) si realmente nunca le preocupó? ¿Para qué intentar contar la misma historia una vez más? ¿O será que los personajes y la trama nunca fueron importantes pues realmente la película es sobre París y la magia que inspira la capital francesa? De ser así mejor compro una postal…

I Want You...back

2011-08-09T20:05:00.000-07:00

Capitán América, protagonizada por el muy americano Chris Evans, cuenta la historia de origen de esté superhéroe que no sólo rescata el look&feel de la década de los cuarenta, si no que el director recurre a planos, movimientos de cámara, y estética cinematográfica en general también de la época. Cosa que resulta la cereza en el pastel, siendo que esto en realidad no es la última película de Marvel si no la campaña de reclutamiento más glamorosa que se ha fabricado en los últimos años.

Sí bien el cártel del Uncle Sam era directo y sin escalas descarado con su lema “I Want You”, el Blockbuster del verano Marvel resulta peor. En términos narrativos la película está bien contraída, a mi parecer un poco larga pues se extiende mucho y el ritmo no está del todo bien construido. Evans hace un buen trabajo pero mucho tiene que ver que su personaje está escrito a la medida, sin embargo, tanto el villano nazi RedSkull (Hugo Weaving), como el love-interest Peggy Carter (Hayley Atwell) resultan flojos o ensombrecidos por la historia principal, apareciendo no como parte del universo del personaje si no simplemente como engranes para complementar la trama. Qué no es que esté mal…simplemente se sienten un poco artificiales.

Tommy Lee Jones regresa al género pero está vez en un adorable papel que termina siendo el pan de la película. Un viejito adorablemente cascarrabias.

Como producto la película funciona muy bien, pues entretiene y vende, pero habrá que ver que tanto les reditúa la estrategia política-entretenimiento a la hora de enlistarse.

Cabe mencionar que Chris Evans la dudó mucho, antes de aceptar el papel pues Marvel lo obligó a firmar seis contratos en un periodo de diez o doce años creo…¿Qué actor quiere ese compromiso tan limitante?

En cuanto a la historia que va conectando las películas…se agradece que Marvel se preocupe por hilar de alguna u otra manera las tramas. Por otro lado lo que no se agradece es la saturación de superhéroes que está planeada para los siguientes años…

Mirada Postmoderna Imaginaria

2011-08-01T16:55:00.000-07:00

Les Amours Imaginaires de Xavier Dolan es digna de reconocerse no por su historia ni por las cualidades del director, si no por ser un condesado representativo de la postmodernidad, sus efectos en las relaciones interpersonales y la juventud del día de hoy.

Cinematográficamente ‘Les Amours Imaginaires’ es una plasta de colores y música saturada a niveles estratosféricos, Dolan incapaz de sostener la trama recurre a la cámara lenta y a escenas largas que pertenecen más al videoclip con toques de pop-art, que a una película.

La tensión dramática se centra en un triangulo amoroso inexistente que atormenta la relación de dos amigos que se enamoran de un tercero (seductor/histérico) que promueve un juego interminable de deseo, que es parte de lo efímero del enamoramiento actual.

Los personajes, aunque bien construidos se sienten demasiado coloquiales para dejar de ser los amigos del mismo Dolan, en cierto sentido la película cae en lo amateur.

La escena de la masturbación no sólo recuerda a Blue Velvet, si no que así como una masturbación se basa en lo imaginativo y termina siendo un momento de placer efímero, corto, intrascendente, vacío, síntomas de la postmodernidad. Sin embargo tanto Dolan como los jóvenes de hoy, estamos permeados por una cultura gestada en la modernidad, por lo que nos relacionamos a partir de la postmodernidad bajo los ideales modernos, el conflicto de no encontrar al príncipe azul en medio de las rebajas y descuentos primavera-verano.

Hay una preponderancia de la imagen o la apariencia, el cuerpo y la belleza en ‘Les Amours Imaginaires’ escenas de ropa, espejos, colores, etc.…es importante estar a la moda y verse bien para conquistar al hombre de tus sueños…si no, no.

Dolan, accidentalmente o no se convierte con ‘Les Amours Imaginaires’ en una mirada postmoderna que habla por los jóvenes hundidos en la confusión entre un paradigma y otro.

Bromance

2011-07-22T17:27:00.000-07:00

El término bromance se utiliza para referirse a la relación cercana e intima (no sexual) que existe entre dos hombres, dejando a un lado su preferencia sexual.

En el marco de la crisis de la masculinidad actual y sus redefiniciones y validaciones sociales, es interesante explorar cómo se da o hasta donde es posible está intimidad entre los hombres.

El bromance se dice que es más común entre hombres blancos, puesto que las culturas o los grupos dónde existe mayoritariamente está raza suelen haber menos castigo a la cercanía entre personas del mismo sexo, mientras que en las sociedades latinas, negras, o asiáticas hay un tabú más grande.

Cómo referencia y ejemplo me gustaría utilizar la película: ‘The Eagle’(2011) del director Kevin Macdonald que aborda la relación entre Marcus (Channing Tatum), un general romano con un Ideal-del-Padre que lo persigue y Esca (Jamie Bell), un esclavo gales que por honor encontrará su libertad.

Los personajes representan el choque entre dos mundos, dos ideologías distintas, que trasciende el escenario del 140 D.C. y nos coloca en cualquier situación de conflicto hoy en día…pues las ideologías siguen chocando, la intolerancia a lo diferente se sigue promoviendo y generando guerras y desigualdad. Basta pensar en el conflicto entre Israel y Palestina o entre hombres y mujeres, homosexuales y heterosexuales, blancos y negros…etc…etc…etc…

The Eagle, no sólo reconcilia las dos partes en oposición, exponiendo a los personajes a situaciones de sobrevivencia, pues frente a la muerte no hay ideal que valga, todos somos iguales, y es ahí, en ese nivel primitivo dónde re-descubrimos la humanidad y re-cobramos la perspectiva.

Así es como Esca pasa de ser un esclavo a un ser humano y Marcus encuentra su propio camino, y no el que le fue trazado, desembocando en la relación más intima entre dos hombres.

The Eagle, sí es una historia de época, pero sobre todo es una historia humanizante que nos invita a reflexionar, sobre las diferencias entre unos y otros, y sobre en el cómo nos relacionamos.

'Grey’s Anatomy' meets 'Pay it FWD'…or backwards?

2011-07-20T10:30:00.000-07:00

El español Óscar Santos dirige ‘El mal ajeno’ en pos de contar la historia de Diego (Eduardo Noriega) un medico que de pronto tiene el poder de curar a sus enfermos más allá de su profesión.

La narrativa y los personajes resultan completamente inconexos. El tono es sumamente confuso pues pasa del drama a la ciencia ficción, rebota en momentos cómicos y termina siendo un melodrama telenovelero.

Los personajes y las sub-tramas resultan acomodadas-a-huevo y no fluyen con la historia.

El mal ajeno es un mal intento de contar algo…pobres de los actores pues todos hacen un gran trabajo con un guión poco trabajado y una dirección primeriza.

Tanto Belén Rueda como su personaje sobran y se nota que solo forma parte de la película para hacerla más comercial. No tengo idea de porqué Alejandro Amenábar se animó a producir este proyecto.

Submarino

2011-07-04T15:26:00.000-07:00

Thomas Vinterberg deja a un lado el Dogma 95 y se embarca en la depresiva vida de Nick (Jakob Cedergren) y su hermano (Peter Plaugborg), quienes sufren las consecuencias de una madre alcohólica y la muerte de su hermano menor durante la infancia.

La rutinaria y monótona vida de Nick se sacude cuando lo llaman para informarle que su madre a muerto, en el funeral se encuentra con su hermano y su sobrino, a quienes les sorprende ver y despiertan un lazo en él que quiere pero no sabe como retomar.

Por otro lado el hermano, adicto a la heroína recurre al narcomenudeo en pos de mantener a su hijo Martín.

Las dos historias van a la par y chocan y se encuentran en distintos puntos de la película, que se mantiene en un tono gris, evocando sentimientos de sin-sentido y desesperanza, a penas iluminados por la sonrisa del pequeño Martín.

El soundtrack de la película no sólo ayuda a contar la historia, si no que es bastante bueno, vale la pena echarle una oída.

Submarino, es una historia con un aire de Trainspotting, pero que enfrasca al espectador en una dinámica tan intempestiva como inquietante.

Rom-com con palomitas no siempre vale la pena

2011-07-03T10:14:00.000-07:00

La típica comedia romántica del verano con Kate Hudson al mando, en un personaje y una historia tan común y corriente, tan ligera, tan predecible que es casi increíble que haya terminado pagando por verla en uno de esos domingos familiares en que uno tiene que ceder.

Something Borrowed va de Darcy (Hudson) que le roba el novio a su mejor amiga de la infancia Rachel (Ginnifer Goodwin) y justo unos días antes de la boda, Rachel y Dex (Colin Egglesfield) se dan cuenta de que siempre han estado enamorados el uno del otro. El resto de la película es un ir y venir entre situación y personajes que alejan y acercan a los protagonistas solo para terminar juntos al final…y no se quejen de que es spoiler pues todas estás películas terminan igual…nada nuevo.

La película no tiene mucho de chistosa más que una que otra línea…

Ginnifer Goodwin hace el mismo papel que en su anterior He’s Not that into You…está mujer nomás no…Kate Hudson se la come en pantalla…y el pobre Egglesfield intenta hacerse pasar por buen actor cuando en realidad es el atractivo visual de la pelí…nada más que un maniquí.

No la vean, no la renten, no la comenten…todos podemos vivir sin está porquería de película.

Ser o no ser…amigo

2011-06-30T17:01:00.001-07:00

El Dilema, es el nuevo dramedy gringo del verano que llega a nuestra salas mexicanas para entretener y hacernos pasar un buen rato. La película dirigida por Ron Howard explora varias temáticas, como la amistad, la infidelidad, la adicción y en general la relaciones interpersonales.

La historia se enfoca en Ronny y Nick, dos amigos que trabajan en un proyecto automotriz. Ronny descubre a Geneva, la esposa de Nick teniendo un affaire, convirtiéndose en toda una comedia de enredos con toques dramáticos.

Los diálogos están bien trabajados y realmente es dónde se concentra más la comedia, pues las situaciones y el arco dramático se enfoca en los problemas de pareja de los personajes.

Jennifer Connelly siempre es digna de verse en pantalla, mientras Wynona Ryder intenta desesperadamente regresar y legitimarse una vez más como actriz. A penas lo logra.

Vince Vaughn y Kevin James a pesar de estar dentro de su género por excelencia, los desplantes dramáticos caen en lo exagerado y un tanto telenovelesco. Me parece que el catalizador y el conflicto de la historia no es suficientemente fuerte para cargarlo durante los 111 minutos que dura. Aunque la relación de los temas con los personajes y los giros que va dando la historia para alargarla están bien puestos.

En general es una película bien hecha, de cajón, simple y entretenida…perfecta para el domingazo.

Metro Cuadrado

2011-06-19T05:12:00.001-07:00

La película chilena 'Metro Cuadrado' explora la relación de una pareja joven post-moderna que intenta relacionarse pero que sin embargo no puede.

Carga de silencios y en un tono contemplativo, el encuadre nos encierra en el departamento en el que se desarrolla la historia, y en dónde estos dos personajes, atrapados en sí mismos, chocan y se alejan con cada intento por acercarse.

Me parece que las metáforas visuales que Ilic se aventura a proponer cargan de sentido y sentimiento no sólo a la escena si no a los personajes y a la historia misma, son esas metáforas las que construyen la historia. Y son los actores los que cargan y proyectan la trama.

A pesar de que este tipo de cine cada vez es más recurrente, sobre todo en Latinoamérica, es muy probable que resulte desesperante para el espectador común pues las escenas son largas y el ritmo de la historia lento. Sin embargo basta con abandonar nuestra vida rápida y efímera que cargamos diariamente y sentarnos a contemplar y ver y dejarnos sentir y dejarnos entrar y compartir, los momentos que 'Metro Cuadrado' va creando.

Panda 2

2011-06-14T10:25:00.000-07:00

Kung Fu Panda 2, es una historia sencilla con un arco narrativo claro y sin complicaciones. La película cumple en ser entretenida tanto para niños como adultos, cargada de escenas de acción.

La trama explora la falta freudiana o el Sujeto barrido en Lacan tanto en el protagonista Po, como en el antagonista: Shen, el pavorreal.

The X-Men are back!

2011-06-04T06:52:00.000-07:00

Los X-Men regresan para quedarse. La nueva entrega de la franquicia de estos extraordinarios personajes vuelve a la pantalla grande este año con su primera generación.

A modo de precuela, First Class, se enfoca en la juventud del Profesor X (James McAvoy) y Magneto (Michael Fassbender), ubicada en el contexto de la crisis de los misiles durante la Guerra Fría.

Matthew Vaughn, el director de este revitalizado capítulo hace un excelente trabajo regresándole a la serie la calidad que se merece. Después de la porquería que se aventó Brett Renner con The Last Stand(2006) y los efectos patito de Wolverine(2009), First Class le devuelve a los fans lo que nunca debimos haber perdido. Yo creo que mucho tiene que ver el hecho de que Bryan Singer, director de las primeras dos, formó parte activa en la producción.

Besos que matan

2011-05-27T14:50:00.000-07:00

“El lugar sin Limites” de Arturo Ripstein contrapone el contexto tradicional mexicano de machos y rancheros con una femineidad asumida y declarada. La homosexualidad forma parte de la cotidianeidad inmediata de los personajes y es completamente normal en un principio, sin embargo conforme avanza la historia vemos que es descalificada y castigada, creando una ambivalencia moral entre los personajes que aparecen.

Gonzalo Vega encarna a Pancho, un joven camionero que llega al pueblo “El Olivo” a agitar las cosas. Unos le temen y otros lo repudian, sin embargo lo conocemos más a través de los otros personajes que por el mismo. Pancho es el personaje más interesante pues representa al macho mexicano, que esconde y reprime un hombre sensible que en este caso es homosexual.

La Manuela (Roberto Cobo) un travestí encargado del prostíbulo del pueblo, es uno de los ejes conductores de está historia, pues es por él y partir de él que se cuenta. El personaje es entrañable a pesar de la caricaturización con la que se presenta al homosexual, sin embargo Cobo alcanza a darle un matiz mucho más humano.

Me llama la atención la época en la que fue realizada la película pues aunque los movimientos sociales ya habían comenzado y la homosexualidad comenzaba a visibilizarse, en México la cultura seguía, y en muchos lados sigue, discriminando y castigando al homosexual.

El color rojo es un leitmotiv dentro de la película posiblemente con referencia al infierno en relación al texto que se presenta al principio. El camión de Pancho es rojo, el vestido de Manuela es rojo…etc.

“El lugar sin Limites” es una buena película que reflexiona una problemática social en un contexto muy mexicano y que sin embargo por desgracia su denuncia sigue estando vigente.

Sirenas Asesinas vs Piratas distraídos

2011-05-21T13:02:00.000-07:00

Después de una trilogía con altas y bajas, Pirates of the Caribbean regresa a la pantalla grande con viejos conocidos y uno que otro nuevo tripulante al mando del ya conocido, querido, y borrachamente-gay: Jack Sparrow, interpretado por Johnny Depp quien hace dupla una vez más con la española Penélope Cruz, anteriormente en Blow, 2001.

La química entre Cruz y Depp no es suficiente para mantener el barco a flote. La historia es un poco dispersa pero está tan cargada de acción que las inconsistencias narrativas son casi imperceptibles.

El tono de la película es sumamente ambivalente, alternando escenas cómicas y sumamente infantiles (El escape de Jack del palacio en Londres) con escenas oscuras y atemorizantes (La captura de las sirenas).

La película cumple con su cometido de entretener pero es sumamente larga. Las subtramas no se conectan bien con la trama principal y a lo largo de los 137 minutos que dura la aventura uno como espectador se siente perdido ‘On Stranger Tides’.

La subtrama de amor entre el religioso Philip (Sam Claflin) y la sirena es poco memorable y aparece muy tarde en la película, convirtiéndose en uno de los vacíos más importantes en la historia, al igual que las tropas españolas que resultan inconexas a lo largo de la película.

Los paisajes, el diseño de producción, y el barco del pirata siniestro Blackbeard (Ian McShane) son impresionantes. Creando todo un mundo interesante pero finalmente repetido para contar la búsqueda de la fuente de la juventud, que para colmo las motivaciones de los personajes para encontrara son irrelevantes y quedan poco claras. Digamos que todos van en su búsqueda pero al final realmente Blackbeard es el único que la quiere. ¿Entonces para que fueron todos los demás?

El final queda abierto para una secuela que probablemente se enfocará en la sirena y el religioso. En general Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides es entretenida y palomera, seguro al niños les va a encantar y hará el suficiente dinero en taquilla para que los productores queden felices.

The Curse of The Black Pearl sigue siendo la mejor de las cuatro.

Özpetek Mix

2011-05-17T12:43:00.000-07:00

En el marco del XV Festival Mix de diversidad sexual que se presenta actualmente en la Cineteca Nacional, se incluye en la programación una retrospectiva del cineasta italo-tuco Ferzan Özpetek y qué mejor que empezar por su ópera prima para conocer su obra.

Hamam: El baño Turco (1997), cuenta la historia de Francesco, un joven italiano que viaja a Estambul, para reclamar la herencia de su difunta tía Anita.

Özpetek toma de pretexto la historia y el conflicto de Francesco pero en realidad Hamam es sobre las mujeres en la vida de Francesco y más importante es sobre la magia de la capital turca.

Marta, la fría esposa de Francesco, es el personaje más interesante de la película, en un principio parece no tener ninguna importancia en la historia pero en el desenlace le da un giro drástico a la historia.

La escena final en la Marta mira la ciudad es impresionante, yo en lo personal que no conocía el trabajo del director previamente, quedé perplejo con esta escena final, que además es de una sencillez impresionante pero sumamente poderosa, pues contiene toda la historia en un plano, en una mirada, en un solo momento.

El tema de la homosexualidad se trata con sutileza y discreción, no sé si por la época y el contexto cultural del director o por gusto del director, sin embargo la película es actual a pesar de haberse realizado hace casi veinte años.

El director rescata mucho el rol de la familia y los valores culturales de Turquía, resaltando la belleza en la cotidianeidad.

Me da curiosidad ver el ultimo trabajo de Özpetek de 2010 pues después de ver su primera película creo que la evolución debe ser extraordinaria.

British Love Stories

2011-05-06T11:45:00.000-07:00

Los ingleses se caracterizan por tener un sentido del humor muy particular y ‘My Last Five Girlfriends’ no es la excepción. Siendo una comedia romántica con un twist o más bien con varios…que no sólo revisitan el genero si no que lo hace fresco y muy divertido.

La actuación de Brendan Patricks como el adorablemente deprimido Duncan es genial. Y la dirección de Julian Kemp realmente nos transporta a la mente del protagonista a través de recursos narrativos casi podría decir interactivos y hasta didácticos. Un poco a modo de “Dating for Dummies” o algo parecido.

Por otro lado y en un tono mucho más dramático está ‘Release’ de los realizadores independientes Darren Flaxstone y Christian Martin en la que exploran la relación amorosa de un sacerdote encarcelado y uno de los guardias de la prisión, la perdida de la fe frente a la adversidad, una crítica a la iglesia, dilemas morales, y por supuesto la situación misma de estar encarcelado y los peligros que conlleva.

La película está protagonizada por Daniel Brocklebank, quien encarna al sacerdote Jack, mismo que se enfrenta a la culpa y las razones que lo llevaron a cometer el crimen que lo encarceló.

Está película a pesar de ser de bajo presupuesto está sumamente bien realizada, con una historia sólida que invita sobretodo a reflexionar, a criticar, y a dudar. A dudar de quienes somos, a dónde vamos y qué estamos haciendo con nosotros mismos. Qué vale la pena y qué no. Qué esta bien y qué esta mal.

‘Release’ a pesar de tener una temática gay, trasciende completamente el “estereotipo” o “género” pues es una película que habla sobre la condición humana más allá de la preferencia sexual.

Desde Chile

2011-05-06T06:11:00.000-07:00

Durante el pasado Festival de Venecia, el director chileno Pablo Larraín sorprendió al público y a la crítica con su obra ‘Post Mortem’, una historia que se desarrolla durante el golpe militar de 1973 pero que ahonda en la soledad de Mario (Marcelo Alonso), un hombre que trabaja en la morgue y que está enamorado de una cabaretera.

La narrativa es lenta, los diálogos escasos y parcos, sin embargo se crea toda una atmósfera alrededor del personaje de Mario que termina contraponiéndose con la situación política y desembocando en la autopsia del general Allende.

La película es intrigante, llena de tensión, lo que demuestra que hay otras formas de construir la tensión dramática en el cine además de las típicas fórmulas a las que Hollywood nos tiene acostumbrados.

Por otro lado actualmente me encuentro leyendo ‘Cortos’ de Alberto Fuguet, también chileno, que retrata de manera ágil la vida cotidiana de su país. Una visión latinoamericana de sí mismo, recurriendo a una narrativa que se vincula a lo cinematográfico.

Recomendables.

Mitología para niños

2011-05-03T01:00:00.000-07:00

El verano de blokbusters se adelanto un poco y abre con ‘THOR’ el primero en la ola de superhéroes que tendremos este año y que comienza a darle forma a la culminación de la saga que prepara Marvel: “The Avengers”.

La historia se centra en el dios nórdico que rivaliza con su hermano Loki por el reconocimiento del padre (un vacío kafkiano imposible de llenar) y el ascenso al trono de Asgard.

El personaje de Thor y la interpretación de Chris Hemsworth se diluyen en el bifrost, pues Portman, Hopkins y Hiddleston lo opacan y ni el martillito y sus berrinches le sirven para resaltar entre tanto talento. Inclusive el guión no le ayuda, pues los diálogos de Thor se reducen a monosílabos, dejándolo como una masa de músculos perdida en el desierto en vez de un dios en el exilio.

La historia terrestre, es decir, la que se desarrolla en Nuevo México con Natalie Portman…aquella dónde Thor deja atrás su vanidad y su hambre de poder, aquella dónde se enamora perdidamente de Jane (Portman), aquella dónde Thor pelea contra S.H.I.E.L.D y el enorme Destructor…resulta un tanto árida y sumamente rápida, sin embargo al intercalarse con la maravilla visual de Asgard se te olvida y te compras por convención toda la transformación del personaje.

No se si fueron los disfraces nórdicos o qué pero me pareció que por el tono de la película está muy dirigida hacia un publico adolescente-infantil, incluso podría decir que resulta un poco caricaturesca a diferencia de Iron Man.

La película vale la pena por la creación y visualización de Asgard, es majestuoso e impactante. La dirección de Kenneth Branagh es contemporánea, favoreciendo tomas rápidas, muy cerca, y llenas de acción. Me llamó la atención la cantidad de planos holandeses (inclinados) que hay…casi todo el tiempo vemos a los personajes en diagonal.

Definitivamente 2011 es el año de Natalie Portman…yo me preguntó: ¿A qué hora filma todas las películas que hace y cómo todavía le da tiempo de embarazarse y ganar un Oscar?

Cyrus

2011-05-02T10:48:00.000-07:00

‘Cyrus’ dirigida por los hermanos Duplass, podría llamarse “Three’s a crowd’ pues es la historia de John (John C. Reilly) un hombre deprimido y sólo, que conoce a Molly (Marissa Tomei) una madre soltera que tiene una relación muy…pero muy cercana con su hijo Cyrus (Jonah Hill).

Los hermanos Duplass se caracterizan por darle prioridad a la historia y la actuación por encima de la fotografía y la producción, dándole un toque documentalozo a sus películas. El tono de la película oscila entre lo adorablemente familiar y lo incomodo.

La relación edípica entre Cyrus y Molly es determinante. Las pesadillas de Cyrus son un reflejo inconsciente del desplazamiento que siente ante la irrupción de John en la relación entre él y su madre.

Cyrus se presenta como un joven maduro, pero evidentemente es un niño, pues la dependencia y la relación con su madre le han impedido dejar el vientre materno. Además es sumamente manipulador. No es sorpresa porque Molly no ha tenido una relación desde hace tanto, pues está psicológica y físicamente mente prendida de su hijo. El Edipo es innegable.

Tampoco es casualidad que Cyrus tenga sobrepeso…pues es un síntoma típico de la relación edípica: el niño no tiene llenadera, pues el amor de mamá es infinito.

John tiene una relación completamente dependiente de su ex-esposa Jamie (Catherine Kenner), que de alguna manera John y Jamie también tienen una relación edípica y dependiente, detonada por su soledad. Jamie resulta la única persona en el mundo que lo escucha y está ahí para él.

‘Cyrus’ es una gran película que vale la pena ver. Me recordó a ‘Abel’ de Diego Luna.

Circo, maroma y...elefantes

2011-05-01T18:25:00.000-07:00

Water for Elephants

En resumen: Un triángulo amoroso ambientado en un circo de los 30’s durante la Gran Depresión.

Jacob (Robert Pattinson) un veterinario que se queda sin nada recurre por azar a un circo itinerante en dónde pasa de recoger excrementos a codearse con el dueño y maestro de ceremonias del circo August y su esposa Marlena.

August, interpretado maravillosamente por Christoph Waltz es un hombre ambicioso que intenta sobrevivir durante una época dónde el trabajo escaseaba y el entretenimiento era lo único que daba sentido a una sociedad desesperada.

Witherspoon se mantiene como un adorno en la película, preciosamente maquillada luciendo grandes atuendos de la época en un maravilloso escenario pero sin realmente trasmitir nada. Carece completamente de química con Pattinson y en general todo el glamour del circo y lo rico de una pieza de época se siente desperdiciado.

He leído que la adaptación del libro a la película no es mala, sin embargo (…y por suerte) se desprende del sentimentalismo que rodea el personaje de la elefante Rosie.

A mi en general me faltó ver el compromiso del director con la historia, creo que no ahonda en absolutamente nada y se mantiene a distancia de sus personajes y de la historia. La fotografía y el arte padecen la edición que superpone las escenas amontonando planos sin dejarlos correr de manera orgánica y diluyendo la magia del circo.

Flat….blah….yawn.

Me dejó pensando:

-El agua, la figura del sanador y la femineidad como elementos intímamente relacionados

-El acto de la vida. El circo como una metáfora de la vida.

-"United States of Suckers" - August (Christoph Waltz)

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Dirigida por: Francis Lawrence

Adaptación: Richard LaGravenese

Basada en la novela de: Sara Gruen

Fotografía: Rodrigo Prieto

Vestuario: Jacqueline West

La Caperucita

2011-04-29T12:06:00.000-07:00

Red Riding Hood (La Chica de la Capa Roja) es una adaptación cinematográfica del cuento de la Caperucita Roja, una re-visita desde un punto de vista adulto con el look and feel de Twilight (amor adolescente con toque sobrenatural), tanto por el target al que esta dirigida como por la persona que está a cargo del proyecto: Catherine Hardwicke.

Y saco a colación a Hardwicke por que es específicamente lo que tengo que criticar de está película. Betsy Sharkey de LA,Times la resume como: “Smartly conceived and beautifully shot horror spin on the fairy tale is undermined by bad execution.”- Los claro-oscuros y los eagle-eyes son demeritados por la edición y la cámara en mano súper fast y súper shaky haciendo casi imposible digerir los planos y las secuencias de está película, pues durante los 100 minutos de duración que tiene, hay sólo destellos o flashazos de escenas dignas de verse. Lo que nos lleva a preguntarnos ¿Cuál es la prisa?

La película es una combinación del típico coming-of-age con la paranoia y el suspenso del juego de mesa “¿Quién es el culpable?” ambientado en lo fantástico de un cuento que todos conocemos…

El diseño de producción a cargo de Tom Sanders y el vestuario de Cindy Evans hacen la película. No solo la ambientan en una aldea/bosque que reafirman los ejes de la historia si no que le dan ese look fantástico de cuento. Las escenas de Valerie caminando sobre la nieve con la capa roja son alucinantes.

Amanda Seyfried encarna a Valerie, la protagonista de está historia y por lo tanto portadora de la capa roja. Seyfried es una excelente actriz, tiene un poder impresionante en la mirada pues prácticamente actúa con los ojos. Creo que su personaje esta sumamente bien construido pues no se reduce a la heroína de la historia, si no que tiene toda una parte oscura casi implícita e imperceptible pero que en momentos logra trasmitir. La dualidad de su personaje enriquece la historia y le da un tono menos melodramático.

El joven talento masculino y su pésima actuación recae en Peter (Shiloh Fernandez), quien desentona con su fashion look en medio de una aldea campirana, vomitando diálogos cliché con una actuación por demás falsa y poco natural. Su contraparte en el triangulo amoroso, Max Irons, no lo hace mucho mejor…

Gary Oldman es lo mejor en actuación y su personaje representa la intolerancia a lo diferente, haciendo eco desde la caza de brujas de los siglos XIV, XV, y XVI hasta la discriminación que se vive hoy en día en cualquiera de las minorías sociales.

Uno de los temas que se desprenden es lo costumbrista de la gente. Normalmente se da más en las comunidades rurales o pequeñas, sin embargo en todas las esferas sociales existen rituales y costumbres que se repiten generación tras generación, inclusive inconscientemente o sin saber el porque o el origen de las mismas, es una tendencias a la repetición, pues da identidad y seguridad dentro del circulo social dónde se realice.

Otro aspecto es el miedo como motor de la masa. Siendo un elemento conductor a lo largo de la historia de la humanidad, elemento fundamental y súper contemporáneo: ya sea 11 de Septiembre o la Guerra contra el narcotráfico, siempre el miedo prevalecerá sobre la razón dentro de la masa.

Puedo concluir que esta versión de caperucita roja es inteligente y bien lograda en cuanto a la concepción, actualización y adaptación del cuento original, sin embargo la dirección de Hardwicke, la hace difícil de calificar como buena.

A(di)cción Ilimitada

2011-04-23T20:35:00.000-07:00

Limitless (o ‘Sin Límite’) se trata de Eddie (Cooper), un escritor estancado que prueba una droga que potencializar su actividad cerebral y la aprovecha para enriquecerse y recuperar a su novia (Abbie Cornish), sin pensar en las consecuencias que puede tener y posteriormente padeciéndolas.

Bradley Cooper hace un buen trabajo encarnando a Eddie Morra, sorprende verlo desaliñado, es casi irreconocible, y ya en la versión mejorada le queda como anillo al dedo. Algo que el director resalta mucho de su actor son sus ojos, que parecen encenderse cada vez que la droga hace su efecto. Bradley es carismático y appealing en pantalla y hace más fácil la empatía personaje-espectador.

Las secuencias de acción son muy emocionantes más por el lenguaje cinematográfico que por lo que está en juego en la historia.

La droga ‘NZT’ me recordó a las anfetaminas y en general al consumo de drogas “positivas” (antidepresivos) o “legales” como el Valium, que se han vuelto todo una cultura, y que actualmente al parecer resuelven todo y la gente las utiliza de la manera más cotidiana, cuando todos sabemos que todas tienen efectos secundarios y que en su mayoría resuelven el problema superficialmente.

La secuencia inicial de créditos está muy padre pues intercala el sistema nervioso e imágenes clínicas con mapas de la ciudad de Nueva York, que por cierto me parece que contribuye a la historia, inclusive como un personaje omnisciente, pues no solo es un cliché, si no que es una ciudad que refleja perfectamente la idea de éxito y de cómo cualquiera puede llegar al cielo. Es una ciudad rápida, enloquecida, imparable…ilimitada, donde todo es posible.

El papel de Robert De Niro se limita a ser el representante de un poder depredador que augura lo que terminará siendo el personaje de Cooper, mismo que al final encarna la lucha por el poder y las consecuencias de tenerlo vs. la lucha frente a una adicción y las consecuencias que conlleva ser adicto. Es un símil bastante interesante pues en ambos casos la persona está cegada, pues sólo ve el fin y obvia todo lo demás, que finalmente es lo que termina destruyéndonos.

Limitless NO es predecible (a pesar de todo) y eso es priceless!

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Tras bambalinas…

Leslie Dixon hizo TODO por adaptar el libro de Alan Glynn “The Dark Fields” a la pantalla sin las restricciones de estudios o productores y finalmente lo logró. El resultado: Una historia interesante que termina forzada en el thriller, que en primera instancia funciona y te emociona como espectador, pero después de digerir la trama se vuelve un tanto desperdiciada.

Neil Burger, el director de está película la describe como real, “Eddie no es un superhéroe, solo es la mejor versión de sí mismo” y sobre este punto creo que se puede generar toda una reflexión personal, sobre si realmente somos la mejor versión de nosotros mismos…y de no serlo…¿cómo sería? Creo que tendríamos que tratar de serlo. Intentar cada día mejorarnos y de verdad convertirnos en la mejor versión de nosotros mismos…es más podría haber toda una ideología detrás de esto e incluso convertirse en una moda.

Después de ver varias entrevistas, de pronto los actores y las actrices de Hollywood podrían resultar un segmento de población americana inteligente…por lo menos por arriba del promedio de su población.

Los cabos sueltos y otras inconsistencias…

¿Qué pasó con el supuesto asesinato de la modelo y las 18 horas de blackout? ¿Qué paso con la ex-esposa ex-adicta? ¿Cómo aporta a la historia o al personaje su relación con Libby?

¿Por qué un artista, un escritor se convertiría en accionista de la bolsa en vez de usar los efectos de su droga en algo relacionado con su trabajo original? ¿Porqué en la mejor versión de Eddie no cabe el escritor?

Los clichés: Wall Street y matones rusos.

En conclusión, la película es entretenida, llena de acción y por lo menos a mi en lo personal me dejo pensando muchas cosas y eso siempre es bueno.

Otros reflejos sobre el tema:

Bigger, Stronger, Faster (2008) –Documental

Love and other drugs (2010) –Película

Lo humano de la ciencia ficción

2011-04-23T12:22:00.000-07:00

MOON es el nombre de la ópera prima del inglés Duncan Jones, una historia que se encierra en el mundo de un astronauta que vive solo en una base lunar y está a dos semanas de regresar a la Tierra, sin embargo un accidente lo lleva a descubrir que realmente nunca estuvo solo.

Jones, encierra al espectador no sólo en esta base lunar, si no en el conflicto del personaje, en sus miedos, pero sobre todo en su soledad, de alguna manera el personaje de Moon, me hace recordar ‘127 Horas’ de Danny Boyle, mismo que también trata el tema del espacio en Sunshine (2007).

La ciencia ficción siempre ha reflexionado sobre los temores de la humanidad como en Alien de Ridley Scott, sobre proyecciones de cómo nos percibimos en un futuro no tan lejano en BladeRunner, sobre los dilemas posibles que tendríamos que enfrentar en The Island, o sobre la tecnología que se nos escapa de las manos y nos sobrepasa en 2001: A Space Odyssey de Kubrick. ‘Moon’ (2009), protagonizada por Sam Rockwell no es la excepción.

Moon, también hace una discreta crítica al sistema capitalista, en el que se ve siempre la manera de gastar menos y producir más, sin importar las consecuencias que esto pueda generar…en Moon, la crisis de identidad del personaje, en los países tercermundistas las ilimitadas jornadas de trabajo.

MOON es una gran película que responde a las exigencias del género y nos presenta una historia interesante al mando de un gran actor poco reconocido.

Sin Ella

2011-04-23T11:34:00.000-07:00

"Sin Ella" dirigida por Jorge Colón (Cansada de Besar Sapos), cuenta la historia de Gastón(Luis Roberto Guzmán), un hombre que decide recuperar la relación con sus hijos a partir de la inesperada muerte de su ex-esposa.

La película es otra realización mexicana de excelente calidad cinematográfica pero que flaquea en narrativa e incluso en actuación...hay escenas innecesarias de alto presupuesto, hay personajes desperdiciados o mal dimensionados, el guión es completamente de fórmula por lo que lo hace predecible y la resolución resulta extraña.

El personaje de Guzmán esta bien construido y la actuación es buena, sin embargo navega en una historia llena de huecos y personajes arquetípicos, que más allá de aportarle, lo perjudican pues desentonan entre sí.

Zuria Vega es la segunda al mando de este barco y lo hace suficientemente bien, sin embargo creo que tanto los diálogos como el personaje limitan sus posibilidades.

Todas y cada una de las escenas en la oficina de Gastón son absurdas y atarantan. Ciangherotti es exagerado y sobra completamente en la película.

Paola Núñez es un adorno y un intento desesperado de una actriz de telenovela por ser una de cine...que siga echándole ganitas.

En general, 'Sin Ella', no es mala y como siempre se agradece el intento de entregar algo por arriba del promedio, sin embargo no es suficiente. NO es la gran película y no hay nada memorable en ella.

Si quieren una calificación cualquier ama de casa después de verla diría: "Está bonito el mensaje"

Te presento a Laura

2011-04-19T08:52:00.000-07:00

Te presento a Laura, a pesar de su excelente calidad en realización y su exuberante reparto, cojea en la narrativa a cargo de la misma protagonista: Martha Higareda. La pelí pasa de ser una comedia romántica a un comercial de seguros…o no, porque al final el personaje principal resulta ser una estafadora de seguros que finge su muerte en pos de exorcizar sus culpas: todo sea por una buena causa, ¿no?

De la historia: Laura, Valeria, Eva, o como se llame…es una chica que por azar (forzadamente) termina en un grupo de optimistas en dónde escribe una lista de cosas que quiere/tiene que hacer antes de morirse (en 30 días) muy a la Bucket List. (La gringa con Jack Nicholson y Morgan Freeman). En el camino Laura conoce a Sebastián (Kuno Becker) un galán de cine fracasado al que lo persigue una demanda.

Del reparto: No sé si haya sido un proyecto de amigos, o de buena onda o qué…pero la combinación de actores y actrices que aparece en está película rebasa por mucho la mediocridad de la historia. Joaquín Cosío, Adriana Barraza, Mónica Huarte, Aislinn Derbez, Eugenio Derbez, una muy desperdiciada Paulina Gaitán, y hasta Marimar Vega en un nanosegundo al final de la película.

Gracias por entregar un producto cinematográfico mexicano de calidad. Gracias por un reparto excepcional. Pero Martha…concéntrate en actuar y no en escribir.

La canción "Me cuesta vivir" escrita por Adán Canto e interpretada por Ana Victoria que forma parte del soundtrack está padre ;)

¿Diferencias Irreconciliables?

2011-04-18T07:47:00.000-07:00

Viaje Redondo de Gerardo Tort es una road movie que cuenta el encuentro y el reconocimiento de dos mujeres: Fernanda (Cassandra Ciangherotti), la capitalina ensimismada consigo misma y Lucía (Teresa Ruiz), acapulqueña que quiere cruzar la frontera en busca del padre de su hijo. Obviamente la historia revela las grandes diferencias que existen entre los dos mundos que representan estos personajes, pero al mismo tiempo remarca los puntos en común haciéndonos cuestionarnos si realmente somos tan diferentes.

La película tiene sus momentos cómicos, románticos, y trágicos…está bien escrita y bien hecha, pero lo que más me dejó pensando fue la ultima escena: dónde las protagonistas pasan de un juego a un acto erótico-lésbico, recordándome completamente a Y Tu Mamá También (2001), que en primera instancia, me pareció injustificado y sin razón de ser, pero conforme lo digerí creo que esa escena no se trata de sexo, si no de la complicidad que estás dos mujeres encontraron entre sí. Es una escena de agradecimiento y reconciliación de esos dos mundos diametralmente distintos que todos los días se enfrentan en nuestro país.

México es territorio de nadie. Las culturas indígenas y las familias criollas siguen permeadas en el imaginario sociocultural de nuestro país. Seguimos mentalmente colonizados y por eso la lucha no termina y la discriminación y el resentimiento crece día con día, pues al parecer no importa que camino tomemos todos desembocan en conflicto.

NarcoHéroes

2011-04-04T11:59:00.000-07:00

Beto Gómez dirige y co-escribe “Salvando al Soldado Pérez”, la historia de un narcotraficante que reúne un equipo para rescatar a su hermano en Irak.

La película está plagada de momentos cómicos que funcionan, además de que evidentemente fue hecha con un gran presupuesto (Los hermanos Rovzar a.k.a Lemon Films) y se agradece enormemente la intención de hacer un cine mexicano de alta calidad digno de verse.

El reparto es sensacional, pues reúne figuras como: Jesús Ochoa, Joaquín Cosio, y Miguel Rodarte. La química entre los actores y su interpretación de estos hombres súper peligrosos pero a la vez tan chistosos hacen de esta película una excelente comedia negra aderezada con la picardía mexicana.

Fuera de todo esto, me parece necesario reflexionar sobre algo que se desprende de la película: el narco héroe.

Los narcotraficantes no solamente son narcos, también son padres, hermanos, hijos, esposos, etc…y me encanta cuando una historia revela la parte humana de los que son considerados villanos. Porque en la vida real los arquetipos no existen, no somos blancos o negros, somos humanos con todo un rango de posibilidades. Sin embargo no podemos obviar el contexto en el que se presenta Salvando al Soldado Pérez, el país vive un momento de violencia, una guerra.

Y ahí está el acuerdo que se hizo con los medios para la difusión de esta guerra con el narcotráfico. Ahí está la nueva campaña de Ralph Lauren que resalta los elementos de su marca en la nueva fragancia, mismos que con la captura de “La Barbie” se popularizaron, agotando las tiendas de las playeras que los tenían. Y ahí está el niño de doce, trece años que idolatra a las cabezas de los cárteles y que su sueño es convertirse en uno de ellos.

Me parece que ya hay todo una narco-cultura en nuestro país y que accidentalmente o no…’Salvando al Soldado Pérez’ viene a reafirmar y a consagrar la figura del narcotraficante como héroe.

Como ciudadanos mexicanos, sí estamos indignados con nuestras autoridades, al presidente no lo bajamos de pendejo, a las estructuras de corruptas, etc..sí México se está desmoronando…¿pero eso significa que nos vamos a rendir? Tal vez ya llegamos a un punto sin retorno…¿sí no puedes vencerlos…úneteles?

¿Escape = Libertad?

2011-03-29T18:44:00.000-07:00

Ante la locura de la postmodernidad, el refugio está en la fantasía.

No es de extrañarse que un niño de once años se la pase pegado al televisor jugando Nintendo, o que un hombre solitario se fabrique un avatar mujer y sea el más sociable en la web, o que las redes sociales resulten imprescindibles cuando en realidad hemos olvidado como relacionarnos frente a frente y donde un segundo de silencio es tan intolerable como la lactosa, o que esto o que el otro…ya sabemos en que mundo vivimos. Lo decía Baudrillard, rescatando a Borges, con la metáfora del mapa, hemos ido transformando nuestra realidad en hiperreal, desdibujando los limites entre lo tangible y lo virtual.

La película ‘SuckerPunch’ del director Zack Snyder, es un claro ejemplo de este síntoma de la postmodernidad. La historia se enfoca en BabyDoll (Emily Browning) una adolescente que es encerrada en un manicomio injustificadamente, decide intentar escapar con la ayuda de otras cuatro chicas: SweetPea, Amber, Rocket, y Blondie, antes de que le practiquen una lobotomía.

El entorno y la situación en el que se encuentran estás mujeres es hostil (tal y como lo es nuestra sociedad el día de hoy) obligándolas a fugarse dentro de sus fantasías para apenas alcanzar un sentido de libertad. Lo mismo pasa entre nosotros: ¿qué son las drogas, la televisión, los medios en general, el Internet, o el sexo? Al final todo lo utilizamos como un medio para escapar y sentirnos aparentemente libres. ¿Pero libres de qué? ¿A dónde estamos encadenados? ¿Quién nos coloca ahí? ¿Nosotros o el sistema?

No es casualidad que Snyder recurra al formato de videojuego tanto en la estética como en la narrativa, pues esa es la forma en que se ha ido construyendo el imaginario de cualquier adolescente actualmente.

Uno de los temas que se debate en los blogs sobre esta película es sí las mujeres se presentan como mujeres independientes capaces de enfrentarse a sus adversidades o como clichés que parten de una visión masculina y por tanto sexualizada y denigrante. Desde mi punto de vista creo que tiene que ver más con la femineidad actual: fuerte, determinante e independiente, y sí evidentemente existe un grado de sexualización pero eso no me parece negativo, si no un rasgo emancipatorio.

Zack Snyder, como siempre, entrega escenas de acción en cámara lenta, violencia, y muchos efectos especiales. Sí bien el guión es un tanto flojo y se pudieron haber explotado mucho más los personajes, la película cumple con su cometido de entretener. Para ser la primera historia original del director, me parece que es sumamente interesante en cuanto a los elementos que incluye, dando como resultado un collage multicolor lleno de explosiones con referencias al anime japonés, los videojuegos de guerra, la literatura fantástica, los cómics de superhéroes, la mitología, etc. etc. etc…

P.D.1 Abbie Cornish se parece cañón a Nicole Kidman

P.D.2 Me hubiera gustado que se hubieran quedado las actrices que originalmente estaban pensadas: Amanda Seyfried, Evan Rachel Wood y Emma Stone.